Pere Portabella y la Escuela de Barcelona. Una relación esquiva

Artículo publicado originalmente en el número 49 de Contrapicado, dentro de la panorámica sobre Pere Portabella.

La Escuela de Barcelona fue un movimiento cinematográfico surgido a principios de los años 60. Su rasgo más característico fue una voluntad de innovación formal, caracterizada por el intento de asimilar los rasgos estilísticos de la Nouvelle Vague, el Free Cinema o el underground americano, pero también el estilo de la moda, la publicidad y la música pop. Uno de sus aspectos más visibles era el uso de modelos (provenientes del mundo de la publicidad), en lugar de actrices. Sus musas: Romy, Serena Vergano o Teresa Gimpera, de aspecto "europeo", aportaban un aire de sofisticación y elegancia que contrastaba con el estilo más tradicional (tanto en su vertiente folklórica como realista) de la producción española de aquellos años. Los temas que trataban a menudo tenían que ver con preocupaciones personales, ligadas a la necesidad de encontrar un estilo de vida libre e intenso. Este anhelo, que inevitablemente se confontaba al clima moralizante, tradicionalista y represivo de la sociedad franquista, raramente se traducía en actitudes abiertamente políticas. Y, cuando las situaciones sociales, identitarias o ideológicas aparecían, lo hacían de forma superficial y anecdótica. Con algunas excepciones, el núcleo de la Escuela de Barcelona estaba constituido por jovenes de la burguesía catalana, asociados a lo que se conoció desde entonces como Gauche Divine, un término acuñado por Joan de Segarra. Conseguían de su círculo social los recursos para realizar un cine que nació, al menos al principio, al margen de la industria, con cierto espíritu cooperativista y voluntad de ser underground y rupturista. Sus producciones combinaban profesionales con experiencia en la industria con autodidactas entusiastas, así como personajes provenientes de otros ámbitos (fundamentalmente la publicidad, pero también la arquitectura o la fotografía).

Iago Pericot. La conquesta de la innocència

Director's Statement

La primavera de l'any 2009 em trobava investigant pel documental 'La nit que vam jugar amb foc', centrat en la història de tres nois que van cremar una dona indigent en un caixer automàtic, quan vaig assabentar que feia poc s'havia representat al Teatre Nacional de Catalunya (TNC) l'espectacle 'La Venus de Willendorf', que precisament prenia aquest crim horrible com a punt de partida. Gràcies a un amic, productor d'esdeveniments teatrals, vaig poder contactar amb el seu creador: Iago Pericot.


D'aquesta manera, vaig tenir la sort de descobrir un creador immens, que havia jugat un paper central en una època en la que el teatre català (i, de forma més àmplia, la cultura i la societat catalanes) va abandonar la grisor del franquisme per endinsar-se en la modernitat. A més de ser un destacat pintor, Iago Pericot ha estat el creador d'espectacles tan transgressors com 'Rebel Delirium' (1977), que es representava als túnels de la Línia 2 del metro de Barcelona, llavors abandonada, i que tractava un tema tan delicat en aquell moment com l'homosexualitat, o 'MozartNu' (1986), protagonitzada per una parella completament despullada que ballava sobre una enorme creu mentre sona la Misa de la Coronació de Mozart i que va arribar a representar-se a Nova York. La seva rellevància s'ha vist reconeguda per premis com el Premi Nacional d’Arts Escèniques de la Generalitat de Catalunya (1990), el Premi Nacional d’Escenografia “Joseph Caudí”, atorgat per l'Asociación de Directores de Escena de España-ADE (1990), la Medalla d’Or al Mèrit Artístic de l’Ajuntament de la Ciutat de Barcelona (2000) o el Premi Honorífic de la desena edició dels BUTACA de teatre i cinema de Catalunya (2004). A més, durant el desenvolupament d'aquest documental, he pogut veure el respecte i l'admiració que persones molt diverses i destacades del món del teatre professen per aquest home a qui tracten com un veritable mestre i pioner.




Malgrat tot això, Iago Pericot continua sent, segons he pogut comprovar també, una figura majoritàriament desconeguda pel públic. I a aquesta situació no contribueix el fet que, tret d'algun petit reportatge dins algun magazín cultural, no existeixi ara com ara una peça audiovisual d'envergadura que reculli la figura i el llegat de Iago Pericot.




És per tots aquests motius que vaig decidir posar en marxa aquest documental. I per si no n'hi hagués prou, en el transcurs del seu desenvolupament, el Iago, que als seus 85 anys segueix amb una activitat admirable, va decidir posar en marxa un nou projecte. Un projecte que digués alguna cosa sobre la convulsa situació social i econòmica. Un projecte que, com ha fet tantes vegades en els darrers 50 anys, posés l'Art al servei de la Llibertat. Aquest projecte és la Guillotina, una idea radical, atrevida i, a la vegada, juganera que sintetitza l'esperit de la trajectòria de Iago Pericot i que ens permet l'oportunitat única de veure aquest mestre en acció, a més de conèixer les seves valuoses opinions sobre la intensa situació social que vivim i sobre el paper que l'Art hi pot jugar.




En aquest procés, no només he tingut l'oportunitat de conèixer l'artista, sinó, també, a la persona: un home vital, divertit, creatiu, juganer, llibèrrim, trapella, valent, iconoclasta i amic dels seus amics. Un home que, amb la tranquil·litat de qui ja ho ha fet tot, segueix creant i que, amb la seva actitud, s'ha convertit en una inspiració per mi.




A més de retre-li un més que just homenatge i donar a conèixer la trajectoria del Iago Pericot, m'agradaria que, amb aquest documental, el Iago pogués transmetre al públic la mateixa inspiració que m'ha transmès a mi: que malgrat que la situació és difícil, es pot seguir creant i que, precisament perquè és difícil, és més important que mai seguir creant.

Els booktrailers: una panoràmica

Dirigir i produir el book trailer de Set dies de Gràcia, la nova novel·la de Carla Gràcia Mercadé, va ser una aventura molt emocionant. D'una banda, havíem de reproduir aquest món de secrets xiuxiujats entre les parets de la imponent Casa Lledó i l'èpica de la revolta del poble de la Vila de Gràcia dient prou a les lleis injustes. De l'altra, no podíem desvetllar massa perquè, al cap i a la fi, estem parlant d'un llibre i una de les coses que fa més especials l'experiència de llegir és que el lector participa amb l'autor a l'hora de crear el món que aquest li explica. Si ensenyàvem massa, si posàvem cara a la Marianna, al Fèlix, al Marçal o al Jonàs, estaríem destruint alguna cosa del llibre i espatllant la màgia als lectors.

Per això, vam decidir buscar un punt mig entre suggerir tota la riquesa de matisos i d'emocions que la Carla Gràcia Mercadé ha creat en la seva novel·la, i no espatllar als lectors l'oportunitat de deixar-se guiar i participar amb ella en la recreació d'aquest món.

Si encara, no l'heu vist, aquí teniu el resultat:

Un altre efecte colateral de dirigir i produir aquest book trailer, ha estat l'aprofundiment en aquest gènere que, en l'últim any (dos anys com a màxim) ha viscut una veritable eclosió.

Per preparar-me, vaig dedicar molt temps a veure què s'estava fent i vaig descobrir un gènere que va més enllà dels passes de diapositives muntats amb un Windows Movie Maker, la banda sonora de videjoc de Fantasia Èpica i les frases grandiloqüents escrites en Comic Sans. El book trailer és un gènere que té el potencial d'anar més enllà de la simple publicitat i dins el qual, tot i trobar-se encara en una fase molt incipient, es poden trobar peces, com a mínim, sorprenents (no sempre per bé, és veritat), i un ampli ventall d'estils que va des de veritables superproduccions fins a la sèrie Z més entranyable, passant per desastres rotunds i petites obres de delicada artesania.

Per recollir tota aquesta recerca i aquesta experiència, i posar-la en comú tant amb escriptors com amb creadors audiovisuals, el Laboratori de Lletres m'ha convidat a realitzar una master class, dins la seva Setmana Lab, dedicada als book trailers.

Si voleu saber-ne més, aquí hi trobareu tota la informació.

Un actor de la historia

Crítica sobre la película ‘El Efecto K. El montador de Stalin’ (Valentí Figueres, 2012) aparecida originalmente en el blog de Contrapicado

El experimento fundacional de la gramática cinematográfica realizado por Lev Kuleshov es el punto de partida conceptual del último trabajo del realizador valenciano Valentí Figueres, centrado en el proceso de apropiación de la Revolución y de la Historia por parte de la figura de Stalin. Si el montador de cine, al unir dos imágenes, altera el significado que cada una de éstas tenía por separado, lo mismo ocurre con las imágenes de la Historia. Aquél que decide de qué modo se combinan estas imágenes es el montador social, tal como define Maxime Stransky, protagonista del film, al líder soviético.

Siguiendo la estela de películas como Tribulation 99: Alien Anomalies Under America (Craig Baldwin, 1992) o Double Take (Johan Grimonprez, 2009), en las que el found footage servía para moldear la Historia bajo los parámetros de la ficción (o, al contrario, para utilizar la ficción para encontrar una relación nueva entre las imágenes, para descubrir estructuras de sentido que hicieran emanar verdades más profundas que las que mostraban las imágenes por separado o articuladas en un discurso convencional), El efecto K. El montador de Stalin es un elaborado tapiz tejido con una gran diversidad de materiales: películas de Eisenstein o Vertov, noticiarios, home movies, sombras chinescas o la recreación del material rodado por Maxime Stransky. La sutura entre esta diversidad de materiales se consigue mediante la música, la voz en off y los efectos de sonido, de forma parecida a como ocurre en el documental expositivo (para utilizar la terminología de Bill Nichols). Sin embargo, el tratamiento narrativo, el montaje, el tono del material rodado expresamente para la película y, sobre todo, el diseño de sonido y un planteamiento de la voz en off que rehúye la voz de Dios para encarnar la palabra del protagonista (una palabra a la que da vida Jordi Boixaderas), nos acercan a un tono lírico, narrativo y más propio de una ficción, aunque con un modo de representación innovador que explora nuevas posibilidades para un cine en primera persona.

Buscando a Haneke desesperadamente

Crítica sobre la película ‘Michael H. Profesión: Director’ (‘Michael Haneke – Porträt eines Film-Handwerkers’, Yves Montmayeur, 2013) aparecida originalmente en el blog de Contrapicado

Un chico sostiene un cilindro metálico (se trata, en realidad, de una pistola de pistón, utilizada para dejar inconsciente al ganado que será sacrificado en un matadero) frente a una chica que le reta a disparar. Él recoge el guante y lo hace. La chica cae al suelo. Escuchamos sus gritos en fuera de campo, mientras el chico la arrastra hasta terminar con su sufrimiento con un segundo disparo. Se trata de una de las escenas más crudas de El vídeo de Benny (Benny's Video, Michael Haneke, 1992), una más de las muchas escenas crudas que Michael Haneke ha arrojado contra su público. Y se trata también de la apertura de Michael H. Profesión: director, un documental realizado por Yves Montmayeur, realizador habitual de los making of y de los extras de los DVDs del realizador austríaco, recientemente galardonado con el Príncipe de Asturias.

A continuación de esta secuencia, vemos un plano muy corto de los intensos ojos que presiden el rostro de mago artúrico de Haneke. Hay un sabor de venganza en el hecho de enfrentar a este director con las imágenes producidas por él mismo, unas imágenes que han llevado a algunos a definir sus películas como "sádicas" o incluso a calificarlas de tortura {{1}}. Más adelante, el propio Haneke confesará que, en el cine, "el espectador es la víctima del director". Y, como si sintiera la presión de esa acusación y la necesidad de justificarse, acto seguido asegura que en cada una de sus películas siempre ha tratado de crear imágenes verdaderas.

Entrevistando a Jaime Rosales

Hace ya más de un año, Jaime Rosales estrenó la que hasta la fecha es su última película: Sueño y silencio (2012). Una película sobre la muerte y sobre el duelo, sobre el dolor y la pérdida, en la que el director catalán da un paso al frente en su acercamiento al cine trascendental tal y como fue definido por Paul Shcrader en su libro dedicado a Ozu, Dreyer y Bresson (SHCRADER, P. El estilo trascendental en el cine: Ozu, Bresson, Dreyer Ediciones JC Clementine, Madrid, 1999).

Con motivo del estreno de esta película, tuve la oportunidad de entrevistar a Rosales para la revista Contrapicado. Debido a la acumulación de periodistas que queríamos hablar con él, nos concedieron muy poco tiempo. Me apuntaron al final y a Rosales tuvimos que compartirlo yo y un compañero de otra publicación. Nos dieron poco tiempo. Pero fue muy interesante poder hacer un acercamiento al que sin duda es un director de referencia ahora mismo (a pesar de sus detractores).

Como comenté hace poco, Rosales fue un referente importante a la hora de plantear El muerto, el cortometraje que acabo de dirigir. Tanto a nivel formal, como por la voluntad de que el cine nos ayude a mirar de otra manera, y a descubrir lo que está más allá de los hechos. Lo fue sobre todo Las horas del día (2003). Pero también lo fue redescubrirle para preparar el artículo que escribí en Contrapicado, en el que analizo sus largometrajes para terminar centrándome en su última película.

El artículo ha pasado por un largo proceso de reescritura y también por una meticulosa edición llevada a cabo por Albert Elduque, redactor de Contrapicado.

Ha sido un trabajo largo y hecho con mimo. Espero que lo disfrutéis.

Lee el artículo en Contrapicado - "Porque morimos, la vida es de un valor extraordinario"