tag:blogger.com,1999:blog-51504594083471451662024-03-08T22:44:42.128+01:00El blog de Albert FolkCine, documental y video.
Para saber y ver más de mi trabajo, visita <a href="http://www.albertfolk.com">albertfolk.com</a>Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.comBlogger93125tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-9871197533035801772016-04-21T09:52:00.000+02:002016-04-21T09:52:13.122+02:00Pere Portabella y la Escuela de Barcelona. Una relación esquiva<div style="text-align: justify;">
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<span style="color: #6aa84f; font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif; font-size: x-small;"><b><i><a href="http://contrapicado.net/article/3-pere-portabella-y-la-escuela-de-barcelona-una-relacion-esquiva/" target="_blank">Artículo publicado originalmente en el número 49 de Contrapicado, dentro de la panorámica sobre Pere Portabella.</a></i></b></span></h4>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">La Escuela de Barcelona fue un movimiento cinematográfico surgido a principios de los años 60. Su rasgo más característico fue una voluntad de innovación formal, caracterizada por el intento de asimilar los rasgos estilísticos de la Nouvelle Vague, el Free Cinema o el underground americano, pero también el estilo de la moda, la publicidad y la música pop. Uno de sus aspectos más visibles era el uso de modelos (provenientes del mundo de la publicidad), en lugar de actrices. Sus musas: Romy, Serena Vergano o Teresa Gimpera, de aspecto "europeo", aportaban un aire de sofisticación y elegancia que contrastaba con el estilo más tradicional (tanto en su vertiente folklórica como realista) de la producción española de aquellos años. Los temas que trataban a menudo tenían que ver con preocupaciones personales, ligadas a la necesidad de encontrar un estilo de vida libre e intenso. Este anhelo, que inevitablemente se confontaba al clima moralizante, tradicionalista y represivo de la sociedad franquista, raramente se traducía en actitudes abiertamente políticas. Y, cuando las situaciones sociales, identitarias o ideológicas aparecían, lo hacían de forma superficial y anecdótica. Con algunas excepciones, el núcleo de la Escuela de Barcelona estaba constituido por jovenes de la burguesía catalana, asociados a lo que se conoció desde entonces como Gauche Divine, un término acuñado por Joan de Segarra. Conseguían de su círculo social los recursos para realizar un cine que nació, al menos al principio, al margen de la industria, con cierto espíritu cooperativista y voluntad de ser underground y rupturista. Sus producciones combinaban profesionales con experiencia en la industria con autodidactas entusiastas, así como personajes provenientes de otros ámbitos (fundamentalmente la publicidad, pero también la arquitectura o la fotografía).</span><br />
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<a href="http://contrapicado.net/wp-content/uploads/ESCUELA_BARCELONA_01.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://contrapicado.net/wp-content/uploads/ESCUELA_BARCELONA_01.jpg" height="287" width="400" /></a></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">A pesar de que en tiempos recientes, la Escuela de Barcelona ha sido reivindicada como un “movimiento inclasificable e irrepetible” [1], lo cierto es que este recibió críticas desde el principio. Desde las páginas de Nuestro Cine, la publicación que defendía el Nuevo Cine Español, contra el que la Escuela de Barcelona se posicionaba, escribían sobre esta: “no es necesario que sigan haciendo cine, pues las composiciones estéticas de chicas monas, viradas en colorines y con letreros “Carnaby Street”, tienen su marco más adecuado en revistas como Elle, Mademoiselle âge tendre, Salut les copains o sus equivalentes hispanas” [2]. Y alguien relativamente cercano a la Gauche Divine como era el escritor Manuel Vázquez Montalbán sentenciaba en una entrevista en 1978: “Los únicos fans incondicionales de aquellas películas fueron los familiares de los directores de esas películas; que por otra parte eran los que las habían financiado” [3].</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Pero algunas de las críticas más duras a este movimiento provienen de alguien que estuvo vinculado con la Escuela de Barcelona, aunque fuera de manera esquiva. Para Pere Portabella, las películas que se realizaron en su seno “estaban marcadas por un elevadísimo grado de colonización cultural que las desproveía de cualquier sentido crítico, totalmente alejado de nuestra realidad” [4].</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El primer contacto profesional entre Pere Portabella y las personas que terminarían integrando la denominada Escuela de Barcelona se produjo en 1962. En aquella época, Portabella tenía ya una notable experiencia como productor. Con su productora, Films 59, había participado en algunas de las películas más destacadas del Nuevo Cine Español, como Los Golfos (1959) y El pisito (1959). Pero su intervención más destacada había sido la coproducción de Viridiana (1961), el sonado retorno de Buñuel a España. La proyección de esta película en el Festival de Cannes de 1960 y su escandalizado recibimiento por parte de L'Osservatore Romano, el periódico oficial del Vaticano, habían desatado una verdadera tormenta en el régimen franquista, que había iniciado tímidos y calculados movimientos de apertura para acercarse a Europa y superar el aislamiento de los años de la Autarquía, un modelo económico que había fracasado. Para Portabella, esta operación de sabotaje cultural supuso tener que cerrar su empresa. Sin embargo, regresó a Barcelona con la intención de seguir dedicándose al cine, aunque la situación allí fuera bastante distinta que en Madrid.</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">La apertura del régimen se había concretado, en el caso del cine, en el nombramiento por parte de Manuel Fraga Iribarne (Ministro de Información y Turismo) de José María García Escudero como Director General de Cinematografía. Situado en el sector más liberal del régimen, este funcionario realizó una serie de importantes reformas [5], que tenían entre sus principales objetivos el desarrollo del proyecto del Nuevo Cine Español, "diseñado a imagen y semejanza de los entonces emergentes nuevos cines europeos"[6]. Este proyecto, sin embargo, no estaba en un primer momento concebido para el caso de Barcelona, que, pese a contar con una industria cinematográfica relativamente estable, quedaba sin la protección para la realización de un cine distinto al cine de género habitual. Sin embargo, una tradición de vanguardia que, pese a la dictadura, había mantenido una cierta continuidad desde los días de la República, unida a las prácticas de mecenazgo desarrolladas por la burguesía más sensible a las cuestiones identitarias [7], permitieron imaginar un modelo de producción alternativo, que se convertiría en la Escuela de Barcelona.</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Este modelo de autogestión, cooperativismo y mecenazgo privado, se fraguó en las noches de los locales nocturnos que habían aparecido como una especie de bolsas de oxígeno para los jóvenes de clase alta. Bocaccio, The Pub, La Cova del Drac. Estos locales, muchos de los cuales aparecerían en distintas películas de la Escuela de Barcelona, remitían a referentes Europeos (sobre todo ingleses y franceses). Eran el hábitat natural de la Gauche Divine y en ellos se podían dar cita fotógrafos, creativos publicitarios, modelos, arquitectos y gente guapa en general. En este ambiente fue donde Pere Portabella entró en contacto con Jacinto Esteva, un joven de clase alta apasionado por el cine, y que formaría parte del núcleo de la Escuela de Barcelona.</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Fruto de esta colaboración surgirían el cortometraje Alrededor de las salinas (1962) y el largometraje Lejos de los árboles (1963). Este último retrata costumbres populares de toda España. Lo arcaico de las prácticas, unido a una mirada que combina el documental con el surrealismo y que nos recuerda tanto al Buñuel de Las Hurdes. Tierras sin pan (1933) como al Jean Rouch de Les maîtres fous (1955), ofrecen una visión atávica, brutal y salvaje del país. A esto hay que sumarle el uso del sonido, que a menudo ironiza o subvierte el significado de las imágenes, una práctica que anticipa el uso del componente sonoro que hará Portabella en sus films.</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">En los años sucesivos se van siguiendo los debuts cinematográficos de los directores que se contarán dentro de la órbita de la Escuela de Barcelona: Vicente Aranda (Brillante porvenir, 1963, co-dirgida con Román Gubern; Fata Morgana, 1965), Jaime Camino (Los felices sesenta, 1963), Carlos Duran (Raimon, 1965), Jorge Grau (Acteón, 1965), José Maria Nunes (Noche de vino tinto, 1966), Gonzalo Suárez (Ditirambo vela por nosotros, 1966; El horrible ser nunca visto, 1966) o Ricardo Bofill (Circles, 1966).</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Ante la constatación de esta incipiente escena en la ciudad, el núcleo duro de la Escuela de Barcelona (integrado por gente como Bofill, Durán, Esteva, Jordá, Nunes, Aranda, el director de fotografia Juan Amorós, la actriz Serena Vergano o el productor madrileño Muñoz Suay) decidió acuñar esta nueva etiqueta, fundamentalmente como una herramienta propagandística, a imitación de la Escuela de Nueva York. Pero en la elección de este sello también pesó la reivindicación de un cosmopolitismo que no se identificaba con la identidad catalana y que quería evitar la denominación de Nuevo Cine Catalán que había aparecido tímidamente en la prensa [8].</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Vemos que, desde un principio, el objetivo fundamental de la Escuela de Barcelona se concentraba en hacerse un hueco en la industria cinematográfica. Esta actitud se alejaba de la de Portabella, para quien, además de una forma de expresión, el cine era un medio de lucha política; una lucha con la que se encontraba profundamente comprometido, tanto en lo referente al restablecimiento de la democracia como a las reivindicaciones nacionales de Cataluña. El mismo año 1966, por ejemplo, mientras se gestaba la "marca" de la Escuela de Barcelona, Portabella participaba en el encierro en el convento de los Capuchinos de Sarriá, lo que se conocería como la Capuchinada. Como resultado de este acto de protesta, que se alargó durante tres días, se creó la Taula Rodona, una plataforma política que aglutinaba todas las fuerzas antifranquistas catalanas, incluyendo a los comunistas del PSUC y los independentistas del FNC. Portabella se integró en esta organización de forma activa (llegó a convertirse en moderador y hospedó reuniones en su propia casa), lo que supuso una implicación total en la lucha antifranquista, una lucha que no se desvincula del cine. “Es difícil continuar manteniendo una práctica artística aislada de las otras prácticas y responsabilidades sociales” [9], declara.</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Tampoco los referentes del grupo de la Escuela de Barcelona eran los mismos. Si éstos habían llegado al cine a través del propio cine (aunque fuera el cine de la Nouvelle Vague, el Free Cinema o la Escuela de Nueva York), Portabella lo había hecho a través de la vanguardia. A pesar de frecuentar también los ambientes de la Gauche Divine, la gente de Portabella eran Antoni Tàpies, Pere Gimferrer, Antonio Saura, Miró y, por encima de todo, Joan Brossa y Carles Santos, cuya colaboración sería fundamental en la primera etapa de Portabella como director, una etapa que, a pesar de todas las diferencias que hemos visto, transcurriría aún vinculada a la Escuela de Barcelona.</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">En 1967 surgió la idea de hacer un proyecto colectivo, en el que invitaron a participar a Pere Portabella. Tal vez atraído por el espíritu cooperativo y por la voluntad de experimentación formal, además de por su amistad con Jacinto Esteva, en un primer momento aceptó participar. Se trataba de una película de episodios que debía servir como carta de presentación y como herramienta publicitaria de la Escuela de Barcelona y de sus integrantes. Este proyecto terminó convirtiéndose en la película Dante no es únicamente severo (1967). Pese a las buenas intenciones iniciales, las desavenencias entre los distintos participantes hicieron que únicamente se incluyeran los episodios dirigidos por Jacinto Esteva y Joaquim Jordá. En el caso de Portabella, los desencuentros surgieron, además de por los distintos enfoques sobre el papel y la forma del cine, de la dificultad de encontrar un equipo creativo que no estuviera afectado por lo que él llamaba "el problema del cine": la excesiva sumisión a la tradición técnica y formal del cine, que impedía la experimentación y que le llevaría a relacionarse con personas provenientes de otras disciplinas artísticas. Sin embargo, la propuesta no fue en balde, puesto que de aquí salió la que sería su debut como director: No contéis con los dedos (No compteu amb els dits, 1967).</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Este mediometraje, realizado en colaboración con Joan Brossa, denota una fuerte influencia del poeta. La película toma de Brossa el gusto por los discursos no narrativos (como el circo o el vaudevil), su interés por visibilizar el discurso como tal, su peculiar sentido del humor, sus poemas visuales. La película está concebida a imitación de los bloques publicitarios que habitualmente se proyectaban al principio de una sesión cinematográfica. Se trata de una serie de situaciones, sin aparente continuidad ni coherencia formal. Encontramos secuencias en color y en blanco y negro, escenas en las que el diálogo aparece escrito en pantalla o diferencias importantes en el tratamiento del ritmo y el tiempo. Muchas de ellas recurren a técnicas publicitarias como el uso enfático, y a menudo asertivo, de la voz en off, el uso de modelos, de localizaciones con glamour o la aparición de cortinillas de montaje y elementos gráficos para separar los distintos bloques. Sin embargo, la percepción de estas situaciones resulta ciertamente inquietante. Parte de esta angustia proviene de las propias situaciones (un hombre trata de esconderse en una planta embotelladora de refrescos; el afeitado de un capellán se nos describe con excesiva minuciosidad; un hombre trata de alcanzar el mando de su ducha, pero lo hace con una enervante lentitud), pero el efecto se acentúa de forma fundamental a través del sonido. De forma mucho más elaborada que en Lejos de los árboles, Portabella despliega aquí una extensa paleta de recursos para subvertir las imágenes a través de la banda sonora: la música de Mestres Quadreny (interpretada al piano por Carles Santos), las atmósferas sonoras, los ruidos que se convierten en piezas de música concreta, voces en off que no se corresponden con la imágenes, pero que les confieren un nuevo sentido (una disquisición sobre la posición de las estrellas, mientras vemos un huevo que se rompe).</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">En su primera película, Portabella consigue crear una obra inquietante e intrigante, de sentido furtivo y de una gran potencia visual, que pide sucesivos visionados para comprender los sentidos potenciales escondidos en sus imágenes. Además de la crítica y alteración del discurso cinematográfico, encontramos un fuerte cuestionamiento del supuesto bienestar que pretende vender la España del desarrollismo. Estamos aquí en las antípodas de la propuesta del Nuevo Cine Español: nada de realismo, ni una imagen de las clases populares. Pero también con un discurso y unos planteamientos muy distintos a los de la Escuela de Barcelona. Su crítica es mucho más aguda. Y su experimentación, que entronca, a través de Brossa, con las vanguardias de postguerra, pero que también establece vínculos con lo que está haciendo Godard o lo que está teorizando Deleuze en ese momento, se desvincula del formalismo de sus coeatáneos barceloneses para adentrarse en terrenos mucho más conceptuales.</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">No contéis con los dedos contiene, en buena medida, muchos de los recursos que se encontrarán en sus siguientes películas, muy especialmente en Nocturno 29 (Nocturn 29, 1968) y Umbracle (1971), que guardan también algunas relaciones entre sí, como el deambuleo por la ciudad de un protagonista (Lucía Bosé, en el primer caso; Christopher Lee, en el segundo) que enlaza las distintas situaciones que se van sucediendo. Nocturno 29 es, quizás, la más narrativa de las tres películas, si bien esta narración debe entenderse de forma extremadamente débil. El deambular del personaje interpretado por Lucía Bosé, una mujer de clase alta que parece estar constantemente buscando algo, se intercala con escenas en las que vemos a quien parece ser su marido (Mario Cabré, que ya aparecía en No contéis con los dedos). Al final de la película ambos se encuentran y mantienen un diálogo de frases a menudo inconexas que pone en evidencia la distancia que media entre ellos. Sin embargo, esta leve narración, que en ningún caso se rige por la causalidad, se ve a menudo truncada por otras situaciones ajenas a los dos protagonistas: una pareja hippie retoza en la playa con una libertad que contrasta con el rígido mundo de la mujer burguesa protagonista; el actor Luis Ciges entra en un bar y se ve a sí mismo en la televisión; un grupo de hombres y mujeres de clase alta rebuscan bajo las mesas del jardín de la casa club de un campo de golf mientras suena una música ligera, una mujer encuentra una pluma bajo una mesa y un hombre cacarea como un gallo.</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Umbracle, por su parte, es quizá la más libre y más lograda entre esta tríada de películas formadas por episodios y una narración conducida por lo que podemos describir como asociación libre. Esta película, realizada como todas las anteriores en colaboración con Joan Brossa (será la última vez que colaboran), despliega una multitud mayor de recursos y un trabajo aún más sofisticado en la banda de sonido realizada ya directamente por el propio Carles Santos. Un teléfono suena insistentemente mientras el turista interpretado por Christopher Lee contempla atónito cómo un hombre es secuestrado a plena luz del día. Se introducen entrevistas con los historiadores cinematográficos Miquel Porter Moix, Román Gubern (que realiza una minuciosa crítica al tactismo que se esconde tras la apertura franquista, mientras ojea el Código de Censura y comenta algunos de sus artículos), Miguel Bilbatúa y Joan Enric Lahosa. Una pareja mantiene una conversación mientras escuchamos unos desesperados golpes en una puerta. Se utilizan imágenes de El frente infinito (1959), una película sobre un capellán del ejército de Franco en el frente de la Guerra Civil; la recontextualización de las imagenes subvierte su contenido. Y se progresa en la deconstrucción del discurso cinematográfico, añadiendo una capa más, esta vez cuestionando la figura del actor y del star–system. Christopher Lee canta sobre un escenario y, al terminar, Portabella sigue rodando. Christopher Lee, desconcertado pregunta “¿Por qué sigue rodando? Usted dijo que cuando acabara de cantar, cortaría”. Portabella se compadece de él y grita "Cut!". Pocas veces se ha mostrado con tan poco la fragilidad del actor.</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Esta última escena es, como el desarrollo en la sofisticación del uso del sonido, consecuencia directa de Cuadecuc Vampir (1970), película que, si bien se aleja en su dispositivo de la línea iniciada en No contéis con los dedos, ahonda en la deconstrucción y el cuestionamiento del discurso fílmico. El film, que vampiriza el rodaje de El conde Drácula (Jess Franco, 1970), consigue crear una absorbente atmósfera, además de mostrar la fragilidad con la que se construye y se destruye la ilusión de la narración cinematográfica.</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Mientras Portabella ahondaba en su búsqueda de un discurso que fuera vanguardista y, a la vez, significativo políticamente, los impulsores de la Escuela de Barcelona seguían trabajando en la promoción de su cine, lo cual les llevaba a menudo a seguir sin interesarse por lo que ocurría en el país.</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Un buen ejemplo de esta actitud es Tuset Street (Luis Marquina, 1968). Realizada el mismo año que Nocturn 29, su planteamiento no puede ser más lejano. Realizada como un intento de convertir en comercial la Escuela de Barcelona y de vender el ambiente de la Gauche Divine, el film parece inspirarse en las películas pop de Richard Lester para convertir Barcelona en un escenario beat. La historia, siguiendo el esquema de Romeo y Julieta, contrapone el amor de Jordi, miembro de pleno derecho de la Gauche Divine y Violeta (interpretada por Sara Montiel), una cantante de El Molino representante de la Barcelona popular. Los ambientes de moda (Bocaccio, The Pub, La Cova del Drac), los pisos decorados a la última y electrificados hasta en sus puertas, algunos referentes dispersos aquí y allá y las revistas de moda, contrastan con el mundo de los tablaos, las cupletistas y hasta un cameo de Alfredo Landa lanzando piropos soeces a Sara Montiel sobre el escenario de El Molino. La película, como ejercicio de glamour, es totalmente fallida y su éxito comercial fue escaso. Sin embargo es muy sintomática de las limitaciones de la actitud de la Gauche Divine (y por extensión, de la Escuela de Barcelona). Al final de la película el protagonista, Jordi, dolido por el fracaso de su amor imposible con Violeta y hastiado por la imposibilidad de convertir la calle Tuset en lo que ve en las revistas de moda que llegan de Europa, exclama a modo de provocación: “¡Viva la calle Robadors!” La calle Robadors era el corazón del Barrio Chino de Barcelona (y hoy sigue siendo su último vestigio). En este brindis al sol queda toda la autocrítica hacia su clase y el sistema que la sustenta. Las clases populares no aparecen más que pintorescamente encarnadas en la cupletista y el público de los tablaos y los cabarets. Las identidad catalana solo aparece anecdóticamente, reducida a un simple regionalismo folklórico, a través de los nombres de algunos personajes, de una canción cantada en catalán o de la aparición de una sardana bailada en la Plaza Mayor de Vic (Sara Montiel la contempla desde una ventana, cubierta únicamente por una sábana, después de hacer el amor con Jordi).</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Pero hay una trama secundaria en la película que es interesante para entender lo que, finalmente, precipitó para Portabella un alejamiento definitivo de la Escuela de Barcelona. Para llevar a cabo su visión de convertir la calle Tuset en un pedacito del Swinging London, Jordi necesita la colaboración de un funcionario franquista del Ayuntamiento. Para ello no dudará en cortejarlo y adularlo. Incluso está dispuesto a ceder plantando los árboles que quiere el funcionario con el fin de tenerlo contento y gozar de su favor para llevar a cabo el proyecto. El funcionario aparece como un hombre caprichoso y receptivo a la corrupción. Tal vez no sea alguien que nos caiga simpático, pero es, sin duda, alguien con quien hay que llevarse bien.</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Cabe preguntarse si Muñoz Suay, productor de Tuset Street, y los chicos de la Escuela de Barcelona que participan en el proyecto, estaban recordando el viaje que habían hecho el verano anterior (1967) a Madrid para reunirse con José María García Escudero. Gracias a esos contactos, se llegó a un compromiso según el cual la censura sería más laxa con las producciones de la Escuela en lo relacionado con la moral (fundamentalmente, la moral sexual) y las experimentaciones formales, siempre y cuando los miembros de la Escuela renunciaran a tocar temas políticos o sociales que pudieran resultar incómodos para el régimen (por ejemplo, se les pidió que no salieran obreros en sus películas, a lo que Jordá replicaba que "nosotros no pensábamos hacer salir obreros en nuestras películas y esa era una petición bastante absurda.” [10] ) .</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Portabella, que fue invitado a participar en estas reuniones, declinó la oferta, argumentando que “su compromiso político (...) le impedía participar en una reunión en la cual, sin lugar a dudas, García Escudero propondría algún tipo de pacto que él no estaba dispuesto a aceptar” [11]. Pero a lo que realmente estaba renunciando Portabella es a lo que entonces se conocía como el “posibilismo”, es decir, la actitud según la cual sólo se podía realizar un cine “dentro de los límites de lo “posible” impuestos tanto por la censura directa de la Administración como por la censura indirecta operada por las empresas de producción y distribución”, además de por “la autocensura ejercida por los propios creadores, entendida como la mutilación de sus ideas en la fase misma de gestación” [12].</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">La única salida a esta situación era el camino de la marginación voluntaria. A partir de Cuadecuc Vampir sus películas se realizan de forma totalmente extraoficial y autofinanciada, sin esperar a recibir un permiso de rodaje. Es por eso que sus películas no pasan la censura y que Román Gubern puede aparecer en una de ellas criticando abiertamente esta institución. Y hacerlo, además, bajo un enorme póster de Lenin. Es por eso que sus películas son, a pesar de todas las restricciones, verdaderamente libres.</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">A finales de los años 60 y principios de los años 70 el concepto de Escuela de Barcelona se ha ido desinflando como gancho comercial. Además, en ese momento el régimen hace un viraje y, sintiendo que no puede controlar el tímido proceso de apertura que ha iniciado, retorna a posturas más represivas que se intensificaran con los últimos coletazos del franquismo. En el caso del cine, este cambio se traduce en el cese de José María García Escudero. Con él se va también la relativa protección que habían conseguido las producciones de la Escuela de Barcelona y una de sus películas, Liberxina 90 (Carlos Durán, 1970), es censurada. Algunos de sus integrantes (como Carlos Durán o Jacinto Esteva) abandonarán el cine, mientras que otros (como es el caso de Vicente Aranda, Gonzalo Suárez o Jaime Camino) se integrarán en las filas de la industria.</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br />
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Portabella, por su parte, que ya hace un tiempo que busca su propio camino, encuentra otras vías para su cine, como las colaboraciones con el mundo del arte. Destaca la serie sobre Miró para la exposición organizada por el Colegio de Arquitectos: Aidez l'Espagne (1969), Miró l'altre (1969). O para la Fundación Maeght: Miró-Forja (1973), Miró-Tapís (1973).</span></div>
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br />
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<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Además, su compromiso político se traslada completamente al cine. En un paso similar al que realiza Godard tras el Mayo del 68, su cine se pone completamente al servicio del movimiento revolucionario. En esa época inicia una serie de films militantes, entre los que destacan: Poetes catalans (1970), Cantants 1972 (1972) o El sopar (1974). Esta línea culminará, en un terreno ya completamente alejado de la Escuela de Barcelona, con Informe general sobre algunas cuestiones de interés para una proyección pública (1976), película clave para entender, más allá del discurso oficial, el período histórico que hoy conocemos como Transición. Tras la llegada de la democracia, tendrán que pasar 13 largos años para que Portabella vuelva dirigir un largometraje.</span><br />
<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
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<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; text-align: start;">[1]</span><span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;">RIAMBAU, E.; TORREIRO, C. </span><i style="border: 0px; color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; margin: 0px; padding: 0px; text-align: start; vertical-align: baseline;">La Escuela de Barcelona: el cine de la “gauche divine”</i><span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;">. 1999. Barcelona. Anagrama. p.30.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;">[2]Op. Cit. P. 191.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="border: 0px; color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; margin: 0px; padding: 0px; text-align: start; vertical-align: baseline;">[3]</span><em style="border: 0px; color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; margin: 0px; padding: 0px; text-align: start; vertical-align: baseline;">Memorias del cine español. El nuevo cine español</em><span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;"> (Diego Galán, 1978).</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;">[4]FANÉS, F.</span><span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;"> </span><em style="border: 0px; color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; margin: 0px; padding: 0px; text-align: start; vertical-align: baseline;">Pere Portabella. Avantguarda, cinema, política. </em><span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;">2008. Barcelona: Raval Edicions p. 25.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;">[5]Se instauraron las Nuevas Normas de Censura Cinematográfica (que marcaban un terreno de juego para los cineastas; una ventaja comparativa respecto a la arbitrariedad del sistema anterior), se racionalizaron las ayudas (vinculándolas a un porcentaje de taquilla; lo cual restringía la corrupción del sistema anterior), se reconvirtió el Instituto de Investigaciones Cinematográficas en la Escuela Oficial de Cine (que sería el principal granero del Nuevo Cine Español) y se creó la categoría de Interés Especial (una ayuda directa, no condicionada por la taquilla, para aquella películas de alto valor artístico pero escasa viabilidad comercial; en la práctica, películas de prestigio destinadas a mejorar la imagen de España en el exterior, pero que en el interior únicamente se exhibían en las salas de Arte y Ensayo, con lo que el impacto crítico que pudieran aún contener, después de pasar la censura, quedaba muy restringido).</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;">[6]</span><span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;">RIAMBAU, E.; TORREIRO, C. Op. Cit. p. 50.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;">[7]</span><span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;">El mayor éxito de este mecenazgo fue el proyecto de la Nova Cançó.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;">[8]</span><span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;">RIAMBAU p.155.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;">[9]</span><span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;">FANÉS, F. Pere Portabella. </span><em style="border: 0px; color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; margin: 0px; padding: 0px; text-align: start; vertical-align: baseline;">Hacia una política del relato cinematográfico</em><span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;">. 2008. Madrid.: Errata Naturae. P. 24.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;">[10]</span><span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;">RIAMBAU, E.; TORREIRO, C. Op. Cit. p. 210.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;">[11]</span><span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;">RIAMBAU. P. 210.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;">[12]</span><span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;">HERNÁNDEZ, R. </span><em style="border: 0px; color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; margin: 0px; padding: 0px; text-align: start; vertical-align: baseline;">Pere Portabella. Hacia una política del relato cinematográfico</em><span style="color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 16px; text-align: start;">. 2008. Madrid. 108.</span></div>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-28907588233216311552015-09-25T12:41:00.000+02:002015-09-25T12:41:11.141+02:00Iago Pericot. La conquesta de la innocència<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" mozallowfullscreen="" src="https://player.vimeo.com/video/139930113?color=ffffff&title=0&byline=0&portrait=0" webkitallowfullscreen="" width="640"></iframe><br />
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<span style="font-size: large;"><b>Director's Statement</b></span><br />
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<div style="text-align: justify;">La primavera de l'any 2009 em trobava investigant pel documental 'La nit que vam jugar amb foc', centrat en la història de tres nois que van cremar una dona indigent en un caixer automàtic, quan vaig assabentar que feia poc s'havia representat al Teatre Nacional de Catalunya (TNC) l'espectacle 'La Venus de Willendorf', que precisament prenia aquest crim horrible com a punt de partida. Gràcies a un amic, productor d'esdeveniments teatrals, vaig poder contactar amb el seu creador: Iago Pericot.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"> D'aquesta manera, vaig tenir la sort de descobrir un creador immens, que havia jugat un paper central en una època en la que el teatre català (i, de forma més àmplia, la cultura i la societat catalanes) va abandonar la grisor del franquisme per endinsar-se en la modernitat. A més de ser un destacat pintor, Iago Pericot ha estat el creador d'espectacles tan transgressors com 'Rebel Delirium' (1977), que es representava als túnels de la Línia 2 del metro de Barcelona, llavors abandonada, i que tractava un tema tan delicat en aquell moment com l'homosexualitat, o 'MozartNu' (1986), protagonitzada per una parella completament despullada que ballava sobre una enorme creu mentre sona la Misa de la Coronació de Mozart i que va arribar a representar-se a Nova York. La seva rellevància s'ha vist reconeguda per premis com el Premi Nacional d’Arts Escèniques de la Generalitat de Catalunya (1990), el Premi Nacional d’Escenografia “Joseph Caudí”, atorgat per l'Asociación de Directores de Escena de España-ADE (1990), la Medalla d’Or al Mèrit Artístic de l’Ajuntament de la Ciutat de Barcelona (2000) o el Premi Honorífic de la desena edició dels BUTACA de teatre i cinema de Catalunya (2004). A més, durant el desenvolupament d'aquest documental, he pogut veure el respecte i l'admiració que persones molt diverses i destacades del món del teatre professen per aquest home a qui tracten com un veritable mestre i pioner.</div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;">Malgrat tot això, Iago Pericot continua sent, segons he pogut comprovar també, una figura majoritàriament desconeguda pel públic. I a aquesta situació no contribueix el fet que, tret d'algun petit reportatge dins algun magazín cultural, no existeixi ara com ara una peça audiovisual d'envergadura que reculli la figura i el llegat de Iago Pericot.</div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;">És per tots aquests motius que vaig decidir posar en marxa aquest documental. I per si no n'hi hagués prou, en el transcurs del seu desenvolupament, el Iago, que als seus 85 anys segueix amb una activitat admirable, va decidir posar en marxa un nou projecte. Un projecte que digués alguna cosa sobre la convulsa situació social i econòmica. Un projecte que, com ha fet tantes vegades en els darrers 50 anys, posés l'Art al servei de la Llibertat. Aquest projecte és la Guillotina, una idea radical, atrevida i, a la vegada, juganera que sintetitza l'esperit de la trajectòria de Iago Pericot i que ens permet l'oportunitat única de veure aquest mestre en acció, a més de conèixer les seves valuoses opinions sobre la intensa situació social que vivim i sobre el paper que l'Art hi pot jugar.</div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;">En aquest procés, no només he tingut l'oportunitat de conèixer l'artista, sinó, també, a la persona: un home vital, divertit, creatiu, juganer, llibèrrim, trapella, valent, iconoclasta i amic dels seus amics. Un home que, amb la tranquil·litat de qui ja ho ha fet tot, segueix creant i que, amb la seva actitud, s'ha convertit en una inspiració per mi.</div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;">A més de retre-li un més que just homenatge i donar a conèixer la trajectoria del Iago Pericot, m'agradaria que, amb aquest documental, el Iago pogués transmetre al públic la mateixa inspiració que m'ha transmès a mi: que malgrat que la situació és difícil, es pot seguir creant i que, precisament perquè és difícil, és més important que mai seguir creant.</div>Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-42382051771812432112014-03-21T14:04:00.000+01:002014-03-21T14:11:18.935+01:00Els booktrailers: una panoràmica<div style="text-align: justify;">
Dirigir i produir el book trailer de<a href="http://www.megustaleer.com/ficha/EL961178/set-dies-de-grcia" target="_blank"> Set dies de Gràcia</a>, la nova novel·la de <a href="http://www.carlagracia.cat/" target="_blank">Carla Gràcia Mercadé</a>, va ser una aventura molt emocionant. D'una banda, havíem de reproduir aquest món de secrets xiuxiujats entre les parets de la imponent Casa Lledó i l'èpica de la revolta del poble de la Vila de Gràcia dient prou a les lleis injustes. De l'altra, no podíem desvetllar massa perquè, al cap i a la fi, estem parlant d'un llibre i una de les coses que fa més especials l'experiència de llegir és que el lector participa amb l'autor a l'hora de crear el món que aquest li explica. Si ensenyàvem massa, si posàvem cara a la Marianna, al Fèlix, al Marçal o al Jonàs, estaríem destruint alguna cosa del llibre i espatllant la màgia als lectors.</div>
<div style="text-align: justify;">
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Per això, vam decidir buscar un punt mig entre suggerir tota la riquesa de matisos i d'emocions que la Carla Gràcia Mercadé ha creat en la seva novel·la, i no espatllar als lectors l'oportunitat de deixar-se guiar i participar amb ella en la recreació d'aquest món.</div>
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Si encara, no l'heu vist, aquí teniu el resultat:</div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="//www.youtube.com/embed/7HpU-ZHwoLw?autohide=1&showinfo=0&rel=0" width="640"></iframe><br />
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Un altre efecte colateral de dirigir i produir aquest book trailer, ha estat l'aprofundiment en aquest gènere que, en l'últim any (dos anys com a màxim) ha viscut una veritable eclosió.</div>
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Per preparar-me, vaig dedicar molt temps a veure què s'estava fent i vaig descobrir un gènere que va més enllà dels passes de diapositives muntats amb un Windows Movie Maker, la banda sonora de videjoc de Fantasia Èpica i les frases grandiloqüents escrites en Comic Sans. El book trailer és un gènere que té el potencial d'anar més enllà de la simple publicitat i dins el qual, tot i trobar-se encara en una fase molt incipient, es poden trobar peces, com a mínim, sorprenents (no sempre per bé, és veritat), i un ampli ventall d'estils que va des de veritables superproduccions fins a la sèrie Z més entranyable, passant per desastres rotunds i petites obres de delicada artesania.</div>
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Per recollir tota aquesta recerca i aquesta experiència, i posar-la en comú tant amb escriptors com amb creadors audiovisuals, el <a href="http://www.laboratoridelletres.com/ca/" target="_blank">Laboratori de Lletres</a> m'ha convidat a realitzar una master class, dins la seva Setmana Lab, dedicada als book trailers.</div>
<div style="text-align: justify;">
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Si voleu saber-ne més, <a href="http://www.laboratoridelletres.com/ca/setmana-lab-3" target="_blank">aquí</a> hi trobareu tota la informació.</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-86906020331339287792013-12-23T19:00:00.001+01:002014-03-17T16:48:20.691+01:00Un actor de la historia<h2 class="entry-title" style="border: 0px; clear: both; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, 'Nimbus Sans L', sans-serif; line-height: 24px; margin: 0px; padding: 0px; text-align: start; vertical-align: baseline;"><span style="background-color: white; border: 0px; font-size: xx-small; margin: 0px; padding: 0px; vertical-align: baseline;"><i><a href="http://contrapicado.net/2013/12/el-efecto-k-el-montador-de-stalin-valenti-figueres-2012/" style="color: #21bb55; text-decoration: none;" target="_blank">Crítica sobre la película ‘El Efecto K. El montador de Stalin’ (Valentí Figueres, 2012) aparecida originalmente en el blog de Contrapicado</a></i></span></h2><div style="background-color: white; border: 0px; color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', HelveticaNeue, Arial, sans-serif; font-size: 16px; line-height: 24px; margin-bottom: 24px; padding: 0px; text-align: justify; vertical-align: baseline;"><br />
</div><div style="background-color: white; border: 0px; color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', HelveticaNeue, Arial, sans-serif; line-height: 24px; margin-bottom: 24px; padding: 0px; text-align: justify; vertical-align: baseline;">El experimento fundacional de la gramática cinematográfica realizado por Lev Kuleshov es el punto de partida conceptual del último trabajo del realizador valenciano Valentí Figueres, centrado en el proceso de apropiación de la Revolución y de la Historia por parte de la figura de Stalin. Si el montador de cine, al unir dos imágenes, altera el significado que cada una de éstas tenía por separado, lo mismo ocurre con las imágenes de la Historia. Aquél que decide de qué modo se combinan estas imágenes es el montador social, tal como define Maxime Stransky, protagonista del film, al líder soviético.</div><div style="background-color: white; border: 0px; color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', HelveticaNeue, Arial, sans-serif; line-height: 24px; margin-bottom: 24px; padding: 0px; text-align: justify; vertical-align: baseline;">Siguiendo la estela de películas como <b style="background-color: transparent; border: 0px; margin: 0px; padding: 0px; vertical-align: baseline;">Tribulation 99: Alien Anomalies Under America </b>(Craig Baldwin, 1992) o <b style="background-color: transparent; border: 0px; margin: 0px; padding: 0px; vertical-align: baseline;">Double Take</b> (Johan Grimonprez, 2009), en las que el <i style="background-color: transparent; border: 0px; margin: 0px; padding: 0px; vertical-align: baseline;">found footage</i> servía para moldear la Historia bajo los parámetros de la ficción (o, al contrario, para utilizar la ficción para encontrar una relación nueva entre las imágenes, para descubrir estructuras de sentido que hicieran emanar verdades más profundas que las que mostraban las imágenes por separado o articuladas en un discurso convencional), <b style="background-color: transparent; border: 0px; margin: 0px; padding: 0px; vertical-align: baseline;">El efecto K. El montador de Stalin</b> es un elaborado tapiz tejido con una gran diversidad de materiales: películas de Eisenstein o Vertov, noticiarios, <i style="background-color: transparent; border: 0px; margin: 0px; padding: 0px; vertical-align: baseline;">home movies</i>, sombras chinescas o la recreación del material rodado por Maxime Stransky. La <i style="background-color: transparent; border: 0px; margin: 0px; padding: 0px; vertical-align: baseline;">sutura</i> entre esta diversidad de materiales se consigue mediante la música, la voz en off y los efectos de sonido, de forma parecida a como ocurre en el documental expositivo (para utilizar la terminología de Bill Nichols). Sin embargo, el tratamiento narrativo, el montaje, el tono del material rodado expresamente para la película y, sobre todo, el diseño de sonido y un planteamiento de la voz en <i style="background-color: transparent; border: 0px; margin: 0px; padding: 0px; vertical-align: baseline;">off</i> que rehúye la <i style="background-color: transparent; border: 0px; margin: 0px; padding: 0px; vertical-align: baseline;">voz de Dios</i> para encarnar la palabra del protagonista (una palabra a la que da vida Jordi Boixaderas), nos acercan a un tono lírico, narrativo y más propio de una ficción, aunque con un modo de representación innovador que explora nuevas posibilidades para un cine en primera persona.</div><div style="background-color: white; border: 0px; color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', HelveticaNeue, Arial, sans-serif; font-size: 16px; line-height: 24px; margin-bottom: 24px; padding: 0px; text-align: justify; vertical-align: baseline;"><img alt="" class="aligncenter size-full wp-image-9563" src="http://contrapicado.net/wp-content/uploads/El-Efecto-K-2.jpg" height="310" style="background-color: transparent; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; border: 0px; clear: both; display: block; height: auto; margin: 0px auto 12px; max-width: 100%; padding: 0px; vertical-align: baseline;" width="620" /></div><div style="background-color: white; border: 0px; color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', HelveticaNeue, Arial, sans-serif; font-size: 16px; line-height: 24px; margin-bottom: 24px; padding: 0px; text-align: justify; vertical-align: baseline;"></div><a name='more'></a><br />
<span style="background-color: white; color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', HelveticaNeue, Arial, sans-serif; line-height: 24px; text-align: justify;">La Historia, o, más precisamente, el discurso sobre ésta construido por quien tiene el poder para hacerlo, tiene un papel privilegiado en la narración de la película, pero desde las elipsis de esta narración oficial de la Historia surge una de las mil historias posibles que podrían explicar su desarrollo. Maxime Stransky, cineasta aficionado, amigo de Eisenstein, convencido revolucionario a pesar de su origen noble, se define a sí mismo, en un momento de la película, como un actor de la Historia. Elegido por Stalin por sus contactos y por su afición al cine, que le dan una coartada perfecta para viajar por el mundo y filmar todo aquello que pueda ser de utilidad a la Revolución, Stransky (que en su paso por Hollywood se metamorfosea en Max Ophüls) se convierte en un </span><i style="border: 0px; color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', HelveticaNeue, Arial, sans-serif; line-height: 24px; margin: 0px; padding: 0px; text-align: justify; vertical-align: baseline;">flâneur</i><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', HelveticaNeue, Arial, sans-serif; line-height: 24px; text-align: justify;"> que recorre los momentos clave de la primera mitad del siglo XX. Sin embargo, a diferencia del </span><i style="border: 0px; color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', HelveticaNeue, Arial, sans-serif; line-height: 24px; margin: 0px; padding: 0px; text-align: justify; vertical-align: baseline;">flâneur</i><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', HelveticaNeue, Arial, sans-serif; line-height: 24px; text-align: justify;"> descrito por Baudelaire, que sólo paseaba y observaba, Stransky toma partido, actúa y moldea la Historia en su papel de brazo ejecutor del omnipotente líder soviético.</span><br />
<div style="background-color: white; border: 0px; color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', HelveticaNeue, Arial, sans-serif; line-height: 24px; margin-bottom: 24px; padding: 0px; text-align: justify; vertical-align: baseline;">Narrativamente, la película se construye a partir de las dualidades y las oposiciones. La dualidad entre dos maneras de entender el cine (el Cine-Ojo, encarnado por Dziga Vertov, vs. el Cine-Dedo, encarnado por Sergei Eisenstein), entre dos concepciones de vida y de sociedad (la comunista vs. la capitalista), entre dos maneras de entender la imagen (usando las palabras de Bertolt Brecht: la imagen como espejo, que refleja la realidad, vs. la imagen como martillo, que la moldea), entre dos maneras de situarse ante la vida (como observador vs. como catalizador), entre dos momentos de la Historia de la Revolución reflejados en su arte (la efervescencia de los años de las vanguardias soviéticas vs. el oscurantismo del realismo socialista bajo la égida de Stalin). Y también entre dos maneras de amar.</div><div style="background-color: white; border: 0px; color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', HelveticaNeue, Arial, sans-serif; line-height: 24px; margin-bottom: 24px; padding: 0px; text-align: justify; vertical-align: baseline;"><b style="background-color: transparent; border: 0px; margin: 0px; padding: 0px; vertical-align: baseline;">El efecto K. El montador de Stalin</b> es una película compleja y no siempre fácil de ver, con reflexiones de fondo sobre la imagen, el cine, el arte o la Historia. Pero es también una película llena de amor, amistad, sueños, ilusiones, melancolía, traiciones y, sobre todo, utopías rotas que en un momento parecieron posibles, pero jamás se llegaron a materializar.</div>Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-63134959239174555822013-11-11T10:26:00.000+01:002013-11-11T10:26:00.176+01:00Buscando a Haneke desesperadamente<div style="text-align: justify;">
<h2 class="entry-title" style="border: 0px; clear: both; font-family: 'Helvetica Neue', Arial, Helvetica, 'Nimbus Sans L', sans-serif; line-height: 24px; margin: 0px; padding: 0px; text-align: start; vertical-align: baseline;">
<span style="border: 0px; color: black; font-size: x-small; margin: 0px; padding: 0px; text-decoration: none; vertical-align: baseline;"><i style="background-color: orange;"><a href="http://contrapicado.net/2013/11/michael-h-profesion-director-michael-haneke-portrat-eines-film-handwerkers-yves-montmayeur-2013/" target="_blank">Crítica sobre la película ‘Michael H. Profesión: Director’ (‘Michael Haneke – Porträt eines Film-Handwerkers’, Yves Montmayeur, 2013) aparecida originalmente en el blog de Contrapicado</a></i></span></h2>
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Un chico sostiene un cilindro metálico (se trata, en realidad, de una pistola de pistón, utilizada para dejar inconsciente al ganado que será sacrificado en un matadero) frente a una chica que le reta a disparar. Él recoge el guante y lo hace. La chica cae al suelo. Escuchamos sus gritos en fuera de campo, mientras el chico la arrastra hasta terminar con su sufrimiento con un segundo disparo. Se trata de una de las escenas más crudas de <b>El vídeo de Benny</b> (<i>Benny's Video</i>, Michael Haneke, 1992), una más de las muchas escenas crudas que Michael Haneke ha arrojado contra su público. Y se trata también de la apertura de <b>Michael H. Profesión: director</b>, un documental realizado por Yves Montmayeur, realizador habitual de los <i>making of</i> y de los extras de los DVDs del realizador austríaco, recientemente galardonado con el Príncipe de Asturias.</div>
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-41LWohf0R44/Un_Ee6jeyWI/AAAAAAAAAiI/4kN68lO9NvU/s1600/Michael-H.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="444" src="http://1.bp.blogspot.com/-41LWohf0R44/Un_Ee6jeyWI/AAAAAAAAAiI/4kN68lO9NvU/s640/Michael-H.jpg" width="640" /></a></div>
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A continuación de esta secuencia, vemos un plano muy corto de los intensos ojos que presiden el rostro de mago artúrico de Haneke. Hay un sabor de venganza en el hecho de enfrentar a este director con las imágenes producidas por él mismo, unas imágenes que han llevado a algunos a definir sus películas como "sádicas" o incluso a calificarlas de tortura {{1}}. Más adelante, el propio Haneke confesará que, en el cine, "el espectador es la víctima del director". Y, como si sintiera la presión de esa acusación y la necesidad de justificarse, acto seguido asegura que en cada una de sus películas siempre ha tratado de crear imágenes verdaderas.</div>
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Será uno de los pocos momentos en que lo veremos hablar directamente sobre su obra. En su intento de comprender mejor a Haneke, Montmayeur topa con la negativa de este a dar claves sobre su obra. "No me obligues a autointerpretarme", dice el director, consciente de que cualquier explicación que venga del autor reduciría el impacto de una obra que de forma muy consciente se plantea como pregunta y nunca como respuesta.</div>
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Ante esta oposición, Montmayeur se refugia en el material que más a mano tiene: el rodaje. Y ahí es de donde extrae los momentos más sorprendentes de su película. Momentos en los que vemos a un Haneke juguetón, cariñoso y cercano a sus actores, que contagia su entusiasmo al resto del equipo en el rodaje de la primera escena de <b>Código desconocido</b> (<i>Code Inconnu</i>, 2000) o muestra a los actores cómo deben interpretar, tirándose por el suelo si hace falta. La escena en la que vemos a Haneke sustituir a Jean-Louis Trintignant en la secuencia del sueño de <b>Amor</b> (<i>Amour</i>, 2012) es especialmente efectiva.</div>
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Esta dedicación a los actores viene reafirmada por las entrevistas de varios de los intérpretes que han actuado para él. Isabelle Huppert se deshace en elogios, como también lo hacen Juliette Binoche, Susanne Lothar o Jean-Louis Trintignant. Aunque este último también suelta algún palo cuando afirma que él y el resto de actores y técnicos tenían miedo del director cuando rodaron <b>Amor</b>. No se nos escamotea la visión del Haneke que imaginábamos: controlador y obsesivo hasta el extremo y que llega a perder los nervios con algún actor en su búsqueda incesante de la perfección. Pero, a pesar de todo, esta no es la imagen que domina.</div>
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Estructurado de adelante hacia atrás (empieza por <b>Amor</b>, para ir retrocediendo en el repaso a su obra), el documental pasa de puntillas por los primeros trabajos del director, que habrían tenido mucho interés por ser los menos conocidos, y en muy pocos momentos llega a ofrecernos una mirada profunda a su obra o su persona. Las escenas de rodaje o algún momento en que vemos al director localizando son curiosas, pero, excepto en momentos contados, Montmayeur no logra volar más allá del <i>making of</i> y de un tono informativo.</div>
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Y sin embargo, el documental es un interesante repaso para poner en perspectiva la obra de uno de los cineastas más relevantes del momento. Las grandes constantes del cine de Haneke (la alienación, el sufrimiento, la espectacularización de la violencia, la desnaturalización del discurso fílmico) se encuentran más en los fragmentos de las películas que vemos que en cualquiera de los demás recursos aportados por Montmayeur. De forma involuntaria, el documental se vuelve así en una invitación a buscar la verdad de la obra de Haneke, no en sus palabras, sus gestos o sus miradas, sino allí donde él quiere que la busquemos: en sus películas.</div>
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[[1]]Bret Easton Ellis, por ejemplo, dijo tras el pase de Amor que el filme “es tan sádico como si el propio Adolf Hitler hubiese dirigido En el Estanque Dorado”. Citado en LOUREDA, C., “Paraíso: Amor (Paradise: Liebe), Austria 2012”, Fotogramas: Cine Invisible, 04/02/2012 (leer texto).[[1]]</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-19707239901726867372013-10-14T11:37:00.000+02:002013-10-14T11:39:44.127+02:00Entrevistando a Jaime Rosales<div style="text-align: justify;">
Hace ya más de un año, Jaime Rosales estrenó la que hasta la fecha es su última película: <b>Sueño y silencio</b> (2012). Una película sobre la muerte y sobre el duelo, sobre el dolor y la pérdida, en la que el director catalán da un paso al frente en su acercamiento al cine trascendental tal y como fue definido por Paul Shcrader en su libro dedicado a Ozu, Dreyer y Bresson (<a href="http://www.lacentral.com/web/book/?id=9788495121066">SHCRADER, P. <i>El estilo trascendental en el cine: Ozu, Bresson, Dreyer</i> Ediciones JC Clementine, Madrid, 1999</a>).</div>
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Con motivo del estreno de esta película, tuve la oportunidad de entrevistar a Rosales para la revista <a href="http://www.contrapicado.net/">Contrapicado</a>. Debido a la acumulación de periodistas que queríamos hablar con él, nos concedieron muy poco tiempo. Me apuntaron al final y a Rosales tuvimos que compartirlo yo y un compañero de otra publicación. Nos dieron poco tiempo. Pero fue muy interesante poder hacer un acercamiento al que sin duda es un director de referencia ahora mismo (a pesar de sus detractores).</div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="//www.youtube.com/embed/JMEpuUQ4dQQ?autohide=1&showinfo=0&rel=0" width="640"></iframe><br />
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Como comenté hace poco, Rosales fue un referente importante a la hora de plantear <b>El muerto</b>, el cortometraje que acabo de dirigir. Tanto a nivel formal, como por la voluntad de que el cine nos ayude a mirar de otra manera, y a descubrir lo que está más allá de los hechos. Lo fue sobre todo <b>Las horas del día</b> (2003). Pero también lo fue redescubrirle para preparar el artículo que escribí en Contrapicado, en el que analizo sus largometrajes para terminar centrándome en su última película.</div>
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El artículo ha pasado por un largo proceso de reescritura y también por una meticulosa edición llevada a cabo por Albert Elduque, redactor de Contrapicado.</div>
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Ha sido un trabajo largo y hecho con mimo. Espero que lo disfrutéis.</div>
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<a href="http://contrapicado.net/article/porque-morimos-la-vida-es-de-un-valor-extraordinario/">Lee el artículo en Contrapicado - "Porque morimos, la vida es de un valor extraordinario"</a></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-24695620813300738092013-10-01T08:43:00.001+02:002013-10-14T11:38:40.060+02:00Algunas palabras sobre 'El muerto'<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="//www.youtube.com/embed/Cb5gIMpLi00?autohide=1&showinfo=0&rel=0" width="640"></iframe><br />
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<div class="p1" style="text-align: justify;"><b>Origen del proyecto</b></div><div class="p1" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="p1" style="text-align: justify;">El origen de este proyecto se remonta unos años atrás, cuando estuve investigando para un documental que giraba en torno a unos adolescentes que cometieron un crimen: un crimen horrible y cruel. Un crimen que no cometieron movidos por la rabia o por la consecución de algún objetivo, sino debido a un afán de llamar la atención, unido a la absoluta inconsciencia ante las consecuencias de sus actos y a una escalofriante incapacidad para empatizar con el dolor ajeno. Se trata de un tipo de violencia que nos aterra por su frialdad. Y que se nos muestra como un espejo grotesco de ciertas actitudes que, por desgracia, no nos son tan extrañas.</div><div class="p1" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="p1" style="text-align: justify;">Debido a lo sensible del tema y a ciertas cuestiones éticas que me preocupan sobre el modo de narrar la historia en la forma en que creo que debería narrarse, decidí plantear la problemática en los términos de una ficción.</div><div class="p1" style="text-align: justify;"><br />
<a name='more'></a><br />
</div><div class="p1" style="text-align: justify;">Fue precisamente mientras desarrollábamos esta historia para un guión de ficción con el escritor Daniel Jándula que apareció la idea de este cortometraje. Los adolescentes de la historia del documental se convirtieron en Leo e Iván. Leo, un chico cerrado y frío, a quien le cuesta empatizar con los demás y que sólo entiende las relaciones en términos de dominador y dominado. Iván, un chico con poca personalidad que seguiría a cualquiera que imponga un mínimo de autoridad sobre él. La expresión mínima de un régimen totalitario. Y para completar el triángulo, la madre de Leo: una mujer incapaz de conectar con su hijo; una relación que tal vez se encuentre en la génesis de la incapacidad de Leo para conectar emocionalmente con los demás.</div><div class="p1" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="p1" style="text-align: justify;">Una vez establecidos estos personajes, era necesario encontrar algo que pudiera conmover a ese témpano de hielo en que habíamos convertido a Leo. Algo que fuera suficientemente intenso como para romper sus armaduras y poner a prueba su capacidad de conmoverse. ¿Y qué es más intenso que la muerte?</div><div class="p1" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="p1" style="text-align: justify;">A partir de aquí, la historia tomó vida propia y los sentimientos que despertó el muerto en Leo nos sorprendieron a todos los que le mirábamos. Y creo que a él mismo, también.</div><div class="p1" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-6f9sNbbJpQs/UkFIGm3f8mI/AAAAAAAAAgw/Sf7v7FFv98E/s1600/ComposicioFramesBlog.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="161" src="http://2.bp.blogspot.com/-6f9sNbbJpQs/UkFIGm3f8mI/AAAAAAAAAgw/Sf7v7FFv98E/s640/ComposicioFramesBlog.jpg" style="border: none;" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="p1" style="text-align: justify;"><b>Desarrollo del proyecto</b></div><div class="p1" style="text-align: justify;"><b><br />
</b></div><div class="p1" style="text-align: justify;"><b>El muerto</b> se rodó con muy pocos medios. Invertí algunos de mis ahorros en el alquiler del material, que algunas compañías y particulares nos dejaron a buen precio o gratuitamente. En cuanto al equipo humano, fue una combinación de amigos y de profesionales reclutados a través de redes sociales, que trabajaron con una pasión y una implicación que cada día que lo pienso me hacen sentir más y más orgulloso y, sobre todo, agradecido (en especial, quiero mencionar a Pablo Lago, director de fotografía, a Míriam Herrerías, directora de Arte, a Oriol Font, director de producción, Ari Canals, ayudante de dirección, y a Juanjo Montañés, diseñador de sonido).</div><div class="p1" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="p1" style="text-align: justify;">Los días de rodaje en exteriores fueron de los más fríos del año, a pesar de que la historia está ambientada a principios de otoño. Pero el espíritu de colaboración y de familia no desapareció, ni por parte del equipo ni de los actores.</div><div class="p1" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="p1" style="text-align: justify;">Iván Vargas y Lluís Mansilla (Leo e Iván, respectivamente) entraron perfectamente en el juego y entendieron a sus personajes con una gran madurez. Y la colaboración de Pilar Sardà, en el papel de madre, completa el contrapunto de realismo y dureza al mundo de los chicos, aportando algunas de las escenas del corto que más encogen el corazón.</div><div class="p1" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="p1" style="text-align: justify;">El proceso de edición ha sido largo. Decidí encargarme yo mismo de esta parte del proceso porqué sentía que debía ser algo íntimo y me gustaba la idea de trabajar como un escritor. Quería tener tiempo, dejar que las imágenes fueran encontrando su lugar, que el ritmo fuera corrigiéndose en cada visionado y en cada reedición. Espero haberlo conseguido.</div><div class="p1" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="p1" style="text-align: justify;">La última fase del proceso creativo, que ha acabado de dar color y profundidad a la película ha sido el trabajo con Marc Marés, autor de la música original del corto. Marc, componente del grupo catalán Élena, y yo nos conocimos cuando estaba terminando mi formación como Realizador de Documental en la ESCAC. Él se encargó de la música de mi proyecto final: El sueño de Francia (un documental sobre Roger Ibáñez, que ahora es un autor consagrado en el mercado francés, pero que en aquél entonces luchaba por hacerse un nombre). Quedé tan contento con el resultado que, a los pocos meses, repetimos en el que fue mi primer trabajo profesional como realizador: El camionero, un documental de 30' producido por Paral·lel 40 para el programa Taller.doc de Televisió de Catalunya.</div><div class="p1" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="p1" style="text-align: justify;">Estoy muy contento de haber recuperado la relación con Marc para este proyecto. Esta vez, teníamos como referente la banda sonora de Dead Man, de Jim Jarmsuch (Jarmusch ha sido un referente claro en este proyecto, como también lo han sido Jaime Rosales o Sofía Coppola), en la que Neil Young grabó una improvisación mientras visionaba una proyección de la película terminada. Partiendo de este concepto y recuperando ciertas sonoridades que ya habíamos encontrado en nuestras anteriores colaboraciones, Marc ha creado unas pequeñas (a veces son apenas tres acordes) y bellísimas composiciones con su guitarra para componer una banda sonora atmosférica, emocional y enigmática, que hace aflorar el subtexto de la película y hace crecer las imágenes, multiplicando su potencial y sentido.</div><div class="p1" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="p1" style="text-align: justify;">Por último, no quiero dejar de mencionar a Carla, que estuvo a mi lado desde poco antes de que empezara el rodaje y que, para mi felicidad, no se ha movido de ahí desde entonces. El muerto no sería lo que es sin ella. Mi vida tampoco.</div>Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-3159541959332569562013-05-14T09:14:00.000+02:002015-09-25T12:37:54.275+02:00Nuevo video de Bananity: Follow Your Passions<div style="text-align: justify;">La semana pasada vio la luz la última colaboración con <a href="http://www.bananity.com/">Bananity</a>, la startup cuya cara más visible es Pau García-Milà, de la que ya colgué aquí la webserie <a href="http://albertfolk.blogspot.com.es/2012/08/bfn-pau-garcia-mila-verano-amarillo.html">Verano Amarillo</a>, que, como ahora, produje y dirigí.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">En esta ocasión se trataba de explicar el funcionamiento de la nueva web de Bananity, una red social centrada en los contenidos y que permite a los usuarios seguir los contenidos que les interesan, de forma muy específica, y que recoge de forma muy eficiente todo aquello que se dice sobre un contenido específico. Para contarlo, nos centramos en el acto de compartir información.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">La producción se realizó con unos medios relativamente modestos y la colaboración de mucha gente, sobre todo de Victoria Torrente, Albert Martí (CEO de Bananity), Sergio Galiano (co-Fundador de Bananity), y también de todo su entorno, que se volcó en ayudarnos en el video. Además estoy muy contento del trabajo de <a href="http://cargocollective.com/pablolago">Pablo Lago</a>, director de fotografía del video. Y que también ha sido el director de fotografía de mi cortometraje "El Muerto", que se encuentra ya en la recta final de la postproducción y del que hablaré muy pronto.</div><br />
<iframe width="640" height="360" src="http://www.youtube.com/embed/kvGUhLFhK_E?autohide=1&showinfo=0&rel=0" frameborder="0" allowfullscreen></iframe>Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-44854547174142053392013-04-25T14:32:00.000+02:002013-05-04T12:35:08.690+02:00Entrevista a Kossakovsky (y mi artículo sobre The Belovs, ética y documental) para Contrapicado<div style="text-align: justify;">
Tal y como conté en mi último post, hace unas semanas, tuve la suerte de entrevistar al famoso documentalista ruso Victor Kossakovsky para la revista Contrapicado.</div>
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Aquí podéis ver el resultado:</div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" mozallowfullscreen="" src="http://player.vimeo.com/video/62691904" webkitallowfullscreen="" width="640"></iframe> <br />
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Además, os invito a leer la <a href="http://contrapicado.net/sections/panoramica/">Panorámica</a> que le hemos dedicado al director, en la que se encuentra mi artículo "<a href="http://contrapicado.net/article/2-mirando-a-los-belov-con-culpa/">Mirando a los Belov con culpa</a>" en el que analizo las implicaciones éticas del estilo de Kossakovsky y su relación con la tradición del Cine Directo.</div>
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Espero que ambas cosas os gusten y os resulte tan interesante verlo y leerlo, como ha sido para mí hacerlo.</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-42648878770918444462013-02-15T09:58:00.001+01:002013-10-01T08:59:06.351+02:00Entrevistando a Kossakovsky<div style="text-align: justify;">
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Hace un par de días Alberto Moreno, Daniel Seguer, Adrià Sunyol y un servidor nos presentamos en el IDEC de Barcelona para entrevistar al maestro Kossakovsky, aprovechando que, por una de esas alineaciones de los planetas, se encotraba en Barcelona justo en las semanas en que, en la <a href="http://contrapicado.net/">revista Contrapicado</a>, nos encontramos preparando una panorámica sobre el documentalista ruso.</div>
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Poco antes de la entrevista, estuvimos un rato con él y los alumnos del <a href="http://www.idec.upf.edu/master-en-documental-de-creacion">máster de Documental de Creación de la Pompeu Fabra</a>, con los que está editando un documental colectivo rodado durante los días del 15-M. En la pantalla del Mac, un hombre agitaba las manos, indignado ante la actuación policial. Kossakovsky montaba sobre estas imágenes una música clásica que hacía parecer al hombre un atribulado director de orquesta. Mientras editaba, el mismo Kossakovsky, a su vez, también agitaba los brazos, dirigiendo las imágenes en su Final Cut, y la creación de ese nuevo sentido que la música da a las imágenes; un recurso habitual en él (como cuando en <i>Tishé</i> convierte a los operarios de su calle de San Petesburgo en protagonistas de un <i>slapstick</i> gracias a editar sus imágenes junto a una música de piano).</div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="480" src="http://www.youtube.com/embed/NgCCxaNCh10" width="640"></iframe><br /></div>
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Después de la sesión de montaje, nos colamos en una breve clase del máster, donde Kossakovsky habló a sus alumnos de la inutilidad de los pitchings (dijo que hay tantos que los comissioning editors llegan a ellos sin un céntimo en el bolsillo), de la necesidad de ser concisos y claros en sus propuestas ("people don't have time to read: in the first line of your script, you have to give me a reason to keep reading the second line") y de que escribieran propuestas de películas y no ensayos. Y también les dijo que no le hicieran caso de nada y que hagan las cosas como creen que las tienen que hacer. Se despidió de ellos diciendo que les echaría de menos, que eran la mejor clase que había tenido. Y que deberían salir todos a celebrar que se habían conocido. Buen tipo, este Kossakovksy.</div>
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Finalmente, pudimos hacer la entrevista. El tiempo no fue muy extenso, pero sí suficiente para hablar del proyecto que está llevando a cabo con los alumnos del Máster de Documental Creativo, de la diferencia entre un documental que hable de la historia y un documental que hable de la política, de lo que ocurre cuando se filman personas. Y de Sokurov, Tarkovksy y Chaplin.</div>
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En el próximo número de <a href="http://contrapicado.net/">Contrapicado</a> podréis encontrar la entrevista completa. Y también un artículo que he escrito sobre <a href="http://www.docsbarcelona.com/es/film.php?id=98">The Belovs</a> (que para mí sigue siendo el documental que más me ha impactado de toda su obra, no sólo por la relación ente los dos hermanos y la acongojante discusión que capta Kossakovsky, sino también por el ambiente de aislamiento que describe en esa casa junto al río).</div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="480" src="http://www.youtube.com/embed/b-74KW88pC4" width="640"></iframe><br /></div>
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Mientras tanto, para quien quiera escuchar al siempre interesante y apasionado Kossakovsky (un hombre al que es mejor ver y escuchar que leer), os dejo aquí la conocida Master Class que realizó en el IDFA en el 2006 (y que uso bastante en el artículo sobre The Belovs).</div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="480" src="http://www.youtube.com/embed/videoseries?list=PLE25A0FA556489FEE" width="640"></iframe></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-11866828523795862492012-08-29T21:40:00.001+02:002013-11-10T18:48:45.142+01:00‘Abbott y Costello contra los fantasmas’ (‘Abbott and Costello Meet Frankenstein’, Charles Barton, 1948)<div style="background-color: orange; text-align: center;">Este artículo se publicó originalmente en el <a href="http://contrapicado.net/blog/">blog</a> de <a href="http://contrapicado.net/">CONTRAPICADO</a> (<a href="http://contrapicado.net/2012/08/abbott-y-costello-contra-los-fantasmas-abbott-and-costello-meet-frankenstein-charles-barton-1948/">link al artículo original</a>)</div><br />
<div style="text-align: justify;">El centenario de la Universal (y, seguramente, el vacío en las carteleras veraniegas) son la excusa para recuperar <b>Abbott y Costello contra los fantasmas</b>, que se reestrena ahora proyectada en Alta Definición (2K). El film, realizado poco después del ocaso del ciclo de monstruos de la Universal pero antes de que la ciencia ficción fuera hegemónica <a href="http://www.blogger.com/blogger.g?blogID=5150459408347145166#1" name="top1"><sup>1</sup></a>, seguía la estela de películas como <b>La zíngara y los monstruos</b> (<i>House of Frankenstein</i>, Erle C. Kenton, 1944) o <b>La mansión de Drácula </b>(<i>House of Dracula</i>, Erle C. Kenton, 1945), que habían sido el máximo exponente de los <i>crossovers</i> de la Universal (mucho antes de que esta práctica se popularizara en el mundo del cómic), en los que, mediante forzados planteamientos argumentales, conseguían hacer coincidir en un mismo plano a diversos monstruos de su panteón. Siguiendo la lógica de esta estrategia de reclamo, puestos a desempolvar el traje de Drácula o el maquillaje del Hombre Lobo, nada parecía más apropiado para salpimentar un <i>cocktail</i> elaborado a partir de unos personajes ya en horas bajas que cruzarlos con dos cómicos que, tras haber saltado a la fama con su rutina <b>Who’s On First?</b> y de haber realizado ya varias películas, vivían en ese momento el cénit de su carrera: “Bud” Abbott y Lou Costello.</div><br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="480" src="http://www.youtube.com/embed/Z00NJ3Q3ncw?rel=0" width="640"></iframe><br />
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<div style="text-align: justify;">En esta ocasión el dúo cómico interpreta a dos trabajadores de una estafeta de correos que reciben un cargamento llegado del corazón de la vieja Europa, en el que no verán nada especial hasta que una misteriosa llamada anónima los ponga sobre aviso acerca del contenido del mismo. La identidad del enigmático personaje no será otra que el Hombre Lobo (por supuesto, Lon Chaney Jr.), en un papel de héroe-villano muy fiel a la dualidad arquetípica del personaje. En cuanto al cargamento, se trata de dos ataúdes que contienen los cuerpos del mismísimo Conde Drácula (interpretado por un Bela Lugosi visiblemente consciente de su condición de <i>guest star</i>) y la criatura de Frankenstein (interpretada en este caso por Glenn Strange, el sucesor de Karloff).</div><br />
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<div style="text-align: justify;">Durante la primera parte de la película, en la que lo más importante es que el dúo cómico desarrolle los <i>gags</i> y las rutinas por los que eran populares, la utilización de los monstruos y los elementos visuales típicos del género (el castillo, las telarañas, los ataúdes, las bobinas Tesla) “aparece absolutamente vaciada de sentido, no extremada en su función de signo, sino reducida a un simple movimiento de reconocimiento genérico” <a href="http://www.blogger.com/blogger.g?blogID=5150459408347145166#1" name="top2"><sup>2</sup></a>, tal y como ocurría en las películas de decadencia de la Universal. El elemento humorístico se ve potenciado por una trama más propia de una <i>screwball comedy</i> que de una película de terror en la que Costello es víctima de las interesadas artes de seducción de la ayudante del Conde Drácula (que aquí mezcla su arquetipo con el del <i>Mad Doctor</i> al ser el responsable de resucitar a la criatura de Frankenstein). Convirtiéndolos en objeto de comedia, los elementos que habían hecho del <i>horror film</i> (en principio, el género más opuesto al cómico) la expresión de los abismos de la sociedad norteamericana de los años 30 parecen quedar neutralizados, efecto que acentuaría el comportamiento de Abbott quien, en una actitud que seguramente el espectador compartiría en la vida real, ridiculiza constantemente a Costello por tener miedo de los fantasmas.</div><br />
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<div style="text-align: justify;">Sin embargo, el mayor interés de la película es que la comedia viene propiciada fundamentalmente por la actitud con la que los protagonistas afrontan unas situaciones que se encuentran en un entorno donde el resto de personajes respetan rigurosamente las convenciones del género de terror. No se trata de una parodia como <b>La familia Monster</b> (<i>The Munsters</i>, CBS, 1964-1966) o, por poner un ejemplo más reciente, <b>Scary Movie</b> (Keenen Ivory Wayans, 2000). En <b>Abbott y Costello contra los fantasmas</b> la coherencia interna del <i>horror film</i> se mantiene en todo momento (una fórmula que tendría su más honorable sucesora en <b>El baile de los vampiros </b>[<i>The Fearless Vampire Killers</i>, Roman Polanski, 1967] <a href="http://www.blogger.com/blogger.g?blogID=5150459408347145166#1" name="top3"><sup>3</sup></a>). A medida que la película avanza, el terror va ganando terreno hasta expulsar definitivamente la comedia en los últimos minutos del film (elocuentemente, una vez Abbott se ha convencido de la realidad de los fantasmas), que transitan puramente dentro del <i>horror</i> más ortodoxo, convirtiendo la película en un honesto homenaje al género. Un homenaje que se basa en la conciencia del espectador de contemplar la manifestación de una variante del género ya extinta. Esta actitud, que ya debía encontrarse en los espectadores de 1948, no ha hecho sino acentuarse con el tiempo, convirtiendo la película en un entrañable, pero no por ello menos consistente, ejercicio de nostalgia.</div><br />
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<a href="http://www.blogger.com/blogger.g?blogID=5150459408347145166" name="1"><b>1 </b></a></span></div><div style="text-align: justify;">Pocos años más tarde, en 1954, una película como <b>La mujer y el monstruo</b> (<i>Creature from the Black Lagoon</i>, Jack Arnold), que en muchos aspectos seguía los códigos del cine de monstruos de la Universal, ya se promocionaba únicamente como una película de ciencia ficción, sin hacer ninguna referencia a su cualidad de <i>horror film</i> (el ejemplo se cita en ALTMAN, Rick: <i>Los géneros cinematográficos</i>, Barcelona: Paidós, 2000)</div><div style="text-align: justify;"><a href="http://www.blogger.com/blogger.g?blogID=5150459408347145166#top1"><sup>↩</sup></a></div><br />
<div style="text-align: justify;"><hr width="80%" /><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;"><br />
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<a href="http://www.blogger.com/blogger.g?blogID=5150459408347145166" name="2"><b>2 </b></a></span></div><div style="text-align: justify;">LOSILLA, Carlos: <i>El cine de terror. Una introducción</i>, Barcelona: Paidós, 1993, p. 97. La cita hace referencia a <b>La zíngara y los monstruos</b>. </div><div style="text-align: justify;"><a href="http://www.blogger.com/blogger.g?blogID=5150459408347145166#top1"><sup>↩</sup></a></div><br />
<div style="text-align: justify;"><hr width="80%" /><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;"><br />
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<a href="http://www.blogger.com/blogger.g?blogID=5150459408347145166" name="3"><b>3 </b></a></span></div><div style="text-align: justify;">Realizada también en un momento de transición dentro del cine de terror (en concreto al final de lo que Losilla llama el “manierismo colorista”, cuyo máximo exponente fue el ciclo de películas de la Hammer dedicado a reinventar los monstruos clásicos de la Universal; LOSILLA, <i>op. cit.</i>, pp. 109-137). </div><div style="text-align: justify;"><a href="http://www.blogger.com/blogger.g?blogID=5150459408347145166#top1"><sup>↩</sup></a></div>Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-2820754734556066232012-08-01T10:39:00.001+02:002015-09-25T12:37:00.542+02:00BFN + Pau Garcia-Milà = Verano Amarillo<div style="text-align: justify;">Hace unas semanas, los amigos de <a href="http://www.bananity.com/">Bananity</a>, el nuevo proyecto iniciado por <a href="http://www.paugarciamila.com/">Pau Garcia-Milà</a> (si aún no sabéis quien es, seguro que cada vez oiréis hablar más de él), me pidieron que me hiciera cargo de la realización de una serie de videos para Youtube en los que el propio Garcia-Milà y otra persona, sentados frente a una webcam, comentaban diferentes aspectos relacionados con la red social, mientras navegaban por la misma.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">La otra persona resultó ser Andreu Buenafuente (de quien sin duda se puede decir aquello de que "no necesita presentación") que, convencido de que en este momento más que nunca hay que apoyar los proyectos jóvenes, prestó su imagen para dar un empujón a la start-up del olesenc.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">Para mí ha sido un verdadero placer trabajar con estos dos cracks y tener la oportunidad de trabajar de cerca con alguien tan talentoso y con tantas tablas como Buenafuente (es aún más profesional de lo que uno se imaginaría) y con alguien como Pau, quien, a pesar de su aún poca experiencia ante las cámaras, tiene una naturalidad innata que le hace invulnerable al pánico escénico. Para muestra, <a href="http://www.youtube.com/watch?v=fu-XB7Tb4ew">el primer encuentro entre los dos</a>.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">Aquí podéis ver el primer capítulo de la serie:</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="http://www.youtube.com/embed/lIKH1RSnvwQ?autohide=1&showinfo=0&rel=0" width="640"></iframe><br />
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<div style="text-align: justify;">El resto lo encontraréis disponible <a href="http://www.albertfolk.com/cat/index.php?/internet/verano-amarillo/" target="_blank">en mi página web</a>.</div>Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-2555712060795339162012-06-06T10:57:00.000+02:002012-06-06T10:57:07.118+02:00Cyrano de BroggiGairabé 30 anys després que Josep Maria Flotats fes el seu recordat Cyrano, Oriol Broggi i els incombustibles de La Perla 29 s'han llançat a fer una nova versió del text d'Edmond Rostand (amb la traducció de Bru de Sala). L'encarnació de l'entranyable espadatxí bocamoll del nas gros corre a càrrec d'un esplèndid Pere Arquillué.<br />
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Aquest és el video de promoció que vam fer i he de reconèixer que en aquesta ocasió em va fer una especial il·lusió perquè Cyrano (que coneixia només a través de la pel·lícula de Jean-Paul Rappenau i amb la cara de Gérard Depadieu) era un dels meus personatges preferits durant l'adolescència.<br />
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<iframe width="640" height="360" src="http://www.youtube.com/embed/Z3KUx2qxH7s?rel=0" frameborder="0" allowfullscreen></iframe>Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-20607770333486096112012-05-16T21:49:00.000+02:002013-03-05T09:16:19.120+01:00Mesa Redonda en el BccN – Distribución en Internet: Nuevos canales para el cine<div style="background-color: orange; text-align: center;">
Este artículo se publicó originalmente en el <a href="http://contrapicado.net/blog/">blog</a> de <a href="http://contrapicado.net/">CONTRAPICADO</a> (<a href="http://contrapicado.net/2012/05/mesa-redonda-en-el-bccn-%E2%80%93-distribucion-en-internet-nuevos-canales-para-el-cine/">link al artículo original</a>)</div>
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Entre el 10 y el 13 de mayo se celebró en Barcelona el BccN, un festival cuyo hilo conductor no es una temática o un género sino la licencia bajo la que se registran las películas: Creative Commons. El uso de estas licencias va más allá de una simple decisión legal o una estrategia de lanzamiento y es una apuesta por la contribución de la obra a engrosar el procomún, es decir, el conjunto de bienes que forman el acerbo de la comunidad.</div>
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El festival, que tiene como principal vocación reivindicar que Creative Commons puede ser sinónimo de calidad e incluso de rentabilidad comercial, se abrió con una mesa redonda auspiciada por el programa MEDIA y centrada en las nuevas posibilidades de distribución que permite la cultura libre.</div>
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<b>Jaume Ripoll. Fundador de FILMIN</b></div>
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Jaume Ripoll, representante de Filmin (una de las apuestas por la exhibición en Internet más sólidas y comprometidas de la industria española) reivindicó el papel clave que la red debe jugar en la difusión del cine. Alejándose de la temática del Creative Commons <a href="http://www.blogger.com/blogger.g?blogID=5150459408347145166#1" name="top1"><sup>1</sup></a>, Ripoll apoyó la importancia de Internet en una llamativa cifra: de las 2000 películas que se terminan cada año en el mundo, la mitad de ellas jamás se exhiben. Internet es su propuesta para que esas películas encuentren su público.</div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="http://www.youtube.com/embed/Cq1ZAk3cmTo?rel=0" width="640"></iframe><br />
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También defendió la importancia de estrategias complementarias a la exhibición tradicional, como por ejemplo el esquema day-and-date: estrenar simultáneamente (o con muy pocos días de diferencia) en salas y en VOD. Películas como Margin Call (J. C. Chandor, 2011) o Melancolía (Melancholia, Lars Von Trier, 2011) son casos de éxito de esta estrategia.</div>
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<b>Jamie King. Fundador de VODO</b></div>
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Jamie King es, antes que nada, un militante por la cultura libre. En 2006 dirigió el documental Steal This Film, que, combinando recursos documentales tradicionales con técnicas como el mash-up (tal vez la figura retórica por excelencia de la cultura pirata), se centraba en el juicio al que fue sometido la emblemática página de intercambio de archivos The Pirate Bay. Distribuida y promocionada en esta misma página, así como en otros sitios dedicados a la descarga de películas o al intercambio de archivos, la película logró 6 millones de descargas y una recaudación de 40.000$ <a href="http://www.blogger.com/blogger.g?blogID=5150459408347145166#2" name="top2"><sup>2</sup></a>.</div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="http://www.youtube.com/embed/bw3HNTRpP-I?rel=0" width="640"></iframe><br />
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Animados por este éxito, King y sus colegas fundaron el portal VODO, que fundamentalmente copia la estrategia de promoción de Steal This Film (distribución gratuita vía torrents + publicidad en las páginas de descargas de películas protegidas por copyright), añadiendo un esquema de donaciones parecido al crowdfunding además de ciertas opciones premium (streaming en HD, descarga de canciones, merchandising…).</div>
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<b>Hanna Sköld. Directora de ‘Nasty Old People’ y ‘Granny’s Dancing on the Table’</b></div>
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A menudo, las licencias Creative Commons y los esquemas de financiación apoyados en el crowdfunding se asocian con documentales o con películas con una alta carga de activismo, capaces de movilizar a una amplia cantidad de gente por una causa tangible. Sin embargo la primera película de Hanna Sköld, Nasty Old People (2009), es una obra personal de ficción, con aparentes tintes autobiográficos, sobre una joven perteneciente a un grupo neonazi, quien, mediante el contacto con los excéntricos ancianos a los que cuida y con el intrigante jardinero de un cementerio, empezará a replantearse su vida.</div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="http://www.youtube.com/embed/TuNFFM-4MNA?rel=0" width="640"></iframe><br />
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Ante las dificultades para encontrar financiación, Sköld pidió un crédito a un banco y rodó toda la película con un presupuesto muy limitado y la ayuda de un puñado de amigos. Una vez terminada, la difundió de forma gratuita por Internet, pidiendo a cambio un retorno en forma de apoyo económico. La respuesta no pudo ser mejor. En pocos días empezó a recibir correos de felicitación, donaciones económicas, subtítulos de la película en diferentes idiomas… Y aún más sorprendente, personas que querían organizar proyecciones de la película (la primera, en Vladivostok, Rusia). La película podía verse de forma gratuita en Internet, pero la gente estaba dispuesta a pagar para verla de forma colectiva en una sala de cine, en un centro cultural o en un museo. Finalmente, Nasty Old People fue comprada y emitida por SVT, la televisión pública sueca.</div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="http://www.youtube.com/embed/ewvOkbyzfzY?rel=0" width="640"></iframe><br />
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Para su actual proyecto, Granny’s Dancing on The Table (en desarrollo), un homenaje a las abuelas, Sköld ha querido ir más lejos en esta estrategia y le ha dado un enfoque transmedia: el núcleo central es un documental, pero a su alrededor se articulan exposiciones de arte, una página web, textos, etc. Además, desde el principio trabaja con la construcción de una comunidad alrededor del proyecto, que no sólo son espectadores sino que toman un papel activo participando con la creación de obras para el proyecto.</div>
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<b>Xavi Artigas. Director del documental NO-RES</b></div>
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Xavi Artigas forma parte de esa tradición que, desde Jean Rouch, ha llevado a ciertos estudiosos de las ciencias sociales a interesarse por el audiovisual para dar vida a esa realidad que han estudiado a través de métodos más fríos y racionales. En el caso concreto de Artigas y de este proyecto, este acercamiento intelectual se ve totalmente teñido de la pasión por la denuncia (en este caso de la destrucción de la Colònia Castells, un barrio de Barcelona donde un estilo de ciudad horizontal y de vida comunal aún era posible) y de una sensibilidad destacable.</div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" mozallowfullscreen="" src="http://player.vimeo.com/video/16749593?color=ff9933" webkitallowfullscreen="" width="641"></iframe><br />
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Para Artigas y su equipo, la decisión por el uso de licencias Creative Commons era una consecuencia lógica de su voluntad de dar la mayor difusión posible a su mensaje, y también de un compromiso con que la cultura sea algo que se intercambie libremente entre todos. Además, Artigas declaró absurdo ilegalizar una serie de prácticas (la descarga, la copia y la remezcla de películas) que se están dando a diario en todo el mundo, ya que esto no hace sino normalizar la infracción de la ley. Para él, las licencias Creative Commons son también una forma de hacer que el espectador sienta la obra como suya, lo que a menudo se traduce en un retorno (en forma de donación, de difusión, de agradecimiento, de trabajo, etc.).</div>
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Además, NO-RES (2011), que ha recibido el primer premio de la sección de largometraje nacional en la edición de este año de Documenta Madrid, es el primer caso en que Televisió de Catalunya ha aceptado la financiación vía crowdfuning de un coproductor así como la emisión de una película bajo licencia Creative Commons, lo cual generó la necesidad de crear un nuevo marco legal, que, tras esta colaboración, ha quedado ya establecido para futuras ocasiones.</div>
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<b>Frank Wiering. Ex Editor in Chief de VPRO</b></div>
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VPRO es una cadena pública holandesa que apuesta, no sólo por emitir, sino también por producir contenido en Creative Commons. Wiering puso como ejemplos dos programas de la cadena: Nederland van boven (un programa de vistas aéreas de los Países Bajos, cuyas imágenes, con un coste de producción que asciende al millón de euros, están disponibles de forma gratuita en la web del programa) y Metropolis (un programa en el que se propone un concepto cada semana y se anima a realizadores de todo el mundo a enviar piezas relacionadas con este concepto).</div>
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Para VPRO el uso de las licencias Creative Commons es una mezcla de realpolitik ante la imposibilidad de luchar contra la piratería y del compromiso que, como televisión pública, tienen en la difusión y en la utilidad social de sus contenidos.</div>
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Esta reflexión de Wiering tal vez sea el mejor resumen del espíritu de la jornada.</div>
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<a href="http://www.blogger.com/blogger.g?blogID=5150459408347145166" name="1"><b>1 </b></a></span></div>
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Filmin únicamente tiene dos películas bajo esta licencia; aunque ya ha llegado a un acuerdo para la exhibición de El Cosmonauta, referente de la financiación vía crowdfunding en España.</div>
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<a href="http://www.blogger.com/blogger.g?blogID=5150459408347145166#top1"><sup>↩</sup></a><br />
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<a href="http://www.blogger.com/blogger.g?blogID=5150459408347145166" name="2"><b>2 </b></a></span><br />
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Además del reconocimiento público que llevó a que Jamie King contara con el apoyo de la BRITDOC Foundation para la producción de la segunda parte de su documental: Steal This Film II (Jamie King, 2007).</div>
<a href="http://www.blogger.com/blogger.g?blogID=5150459408347145166#top1"><sup>↩</sup></a><br />
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<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-3581364906912885812012-05-14T11:30:00.000+02:002013-03-13T18:29:43.376+01:00The Mark of Cain - Documental Completo<div style="text-align: justify;">
Aprovechando la reciente reestructuración de mi página web, he decidido subir un documental que tenía en el cajón des de hace algunos años y que, por un compromiso que hice con su protagonista, sólo he mostrado en <i>petit comité</i> (a amigos, compañeros, a los alumnos del seminario de George Karpati en la ESCAC...). Ahora que el tiempo ha pasado y que los sentimientos que despertó el rodaje entre yo y el protagonista han amainado, llegamos al acuerdo de mostrarlo en mi página web, para todo aquél que esté interesado. El documental se hizo con muchas más ganas que medios y lo considero una obra en la que, por encima de todo, quise experimentar cosas. Pero prefiero no hablar mucho más, ya que creo que el documental habla por sí solo.</div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="480" src="http://www.youtube.com/embed/bIODteCcJxM?rel=0" width="640"></iframe></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-24685333876327592902012-05-08T11:15:00.000+02:002013-03-13T18:29:53.439+01:00Science of the City en el Centre d'Art Santa Mònica<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-Vb3SpjuDB6U/T6jjlGS-L9I/AAAAAAAAAOI/RJjHHZYO6ZQ/s1600/Imatge-ScienceoftheCity-550x164.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="179" src="http://1.bp.blogspot.com/-Vb3SpjuDB6U/T6jjlGS-L9I/AAAAAAAAAOI/RJjHHZYO6ZQ/s400/Imatge-ScienceoftheCity-550x164.jpg" width="600" /></a></div>
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Hoy, a las 19:00, se inaugura en el <a href="http://www.artssantamonica.cat/default.aspx">Centre d'Art Santa Mònica</a>, la exposición <a href="http://scienceofthecity.net/2011/">Science of the City</a>, una iniciativa de la incombustible <a href="http://co-creating-cultures.com/es/">Mandarina de Newton</a>, realizada en colaboración con <a href="http://www.fecyt.es/">FECYT</a>, <a href="http://obrasocial.lacaixa.es/">Obra Social “la Caixa”</a>, el <a href="http://www.thetech.org/">Tech Museum de San José en Califòrnia</a> y <a href="http://www.montaigne-paris.fr/">París-Montagne</a> en Francia, entre otras personas y entidades. Se trata de un proyecto colaborativo y participativo que tiene como objetivo vincular la ciencia, el arte y la ciudad.</div>
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Algunos de los <a href="http://albertfolk.blogspot.com.es/2011/02/science-city.html">videos piloto</a> que realizé para la primera fase del concurso (en el que también participé como jurado) van a estar expuestos también.</div>
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Encontraréis más información en el <a href="http://co-creating-cultures.com/es/?p=2055">blog de Co-Creating Cultures</a>.</div>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-52843293535669335402012-04-19T10:38:00.000+02:002013-03-13T18:30:02.004+01:00<div style="text-align: justify;">
El passat dilluns 16 d'abril, La Perla 29 va fer una petita festa amb els seus "companys de viatge" de tots aquests anys, <a blank="" href="http://larevistilladelaperla.blogspot.com.es/2012/04/dilluns-16-dabril-de-2012.html" target:="">per celebrar el seu retorn a l'emblemàtic espai de la Biblioteca Nacional</a>. Per convidar-los a aquest acte vam fer aquesta video-invitació:</div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="http://www.youtube.com/embed/PvxD7XUjB5s?rel=0" width="640"></iframe></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-41309385149088443562012-04-15T17:52:00.001+02:002012-04-15T17:53:49.764+02:00Projecció dels documentals del taller-2<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-Qdxk9IhNAlo/T4ruKi-PthI/AAAAAAAAAMo/E9kFHsS7B2Y/s1600/Presentacio%CC%81+docs.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="256" src="http://3.bp.blogspot.com/-Qdxk9IhNAlo/T4ruKi-PthI/AAAAAAAAAMo/E9kFHsS7B2Y/s640/Presentacio%CC%81+docs.jpg" width="640" /></a></div>
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El passsat dimecres 11 d'abril vam fer la presentació dels treballs del Taller de documentals Creacions, de la xarxa de Biblioteques de Barcelona.<br />
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El conjunt dels treballs va tenir un nivell molt alt i va dona per una hora llarga de projecció, a més de ser un bon espai per a que els participants dels diferents tallers es coneguessin.<br />
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La gran majoria dels treballs projectats ja es troben disponibles al <a href="https://www.youtube.com/user/TallerCreacions?feature=watch">canal del taller</a>.<br />
<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-27725238208306075912012-04-14T20:00:00.001+02:002012-04-14T20:00:46.674+02:00LAVA & Co.Teaser de LAVA & Co., una idea de la companyia holandesa Studio Orka. La versió catalana és una producció d'Imaginart i el Teatre Lliure.<br />
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<iframe src="http://player.vimeo.com/video/40080695?title=0&byline=0&portrait=0&color=ffffff" width="640" height="360" frameborder="0" webkitAllowFullScreen mozallowfullscreen allowFullScreen></iframe><br />
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Cito del canal d'Imaginart:<br />
<p style="color:grey">"L'equip de Lava & Co ha fet un gran descobriment... A 15 metres de profunditat se senten sorolls inexplicables. Amb el sòl perforat i amb l'ajuda de mini-càmeres descobreixen que el subsòl està habitat per éssers diminuts. El públic està convidat a seguir de prop la investigació. Un espectacle per a nens i nenes a partir de 6 anys".<p/>Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-88641999974641945172012-04-10T12:23:00.000+02:002012-04-10T12:27:47.126+02:00Projecció dels documentals del taller<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://w3.bcn.es/fitxers/biblioteques/iiglesias/creacions150.915.jpg" imageanchor="1" style="clear:left; float:left;margin-right:1em; margin-bottom:1em"><img border="0" height="150" width="200" src="http://w3.bcn.es/fitxers/biblioteques/iiglesias/creacions150.915.jpg" /></a></div><br />
Demà, 11 d'abril, hem organitzat la projecció dels treballs dels alumnes del Taller de Documental que imparteixo per a la xarxa de Biblioteques de Barcelona.<br />
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L'acte és a les 19:00 a la Biblioteca Can Fabra i l'entrada és lliure.<br />
<br />
Podeu trobar més informació a la <a href="http://w3.bcn.es/V51/Serveis/AgendaRecomanada/V51AgendaRecomanadaIniciCtl/0,2169,171934075_173107348_1_1745566680,00.html?accio=detall">web de la biblioteca</a>.Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-82541294381706403562012-02-27T12:53:00.000+01:002012-03-19T19:30:47.952+01:00Incendis al RomeaTrailer de l'obra Incendis, de Wajdi Mouawad. Dirigida per Oriol Broggi, amb Clara Segura i Julio Manrique.<br />
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<iframe width="640" height="360" src="http://www.youtube.com/embed/93tqOvQUdoY" frameborder="0" allowfullscreen></iframe>Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-75497061693155638132012-02-14T12:38:00.001+01:002012-02-29T23:53:37.575+01:00CreacionsAprofitant que avui començo un nou taller de realització de documentals a la Biblioteca Can Fabra de Sant Andreu, és un bon dia per publicar <a href="http://www.youtube.com/user/TallerCreacions">el canal</a> que hem creat per mostrar alguns dels treballs que els alumnes d'aquests tallers van realitzant, a més de notícies relacionades amb el taller, com les sessions que organitzem per projectar els treballs.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-13NhzHG-Uyk/TzpHsqW_snI/AAAAAAAAAJY/Z9p8ZWnQE_Y/s1600/Captura%2Bde%2Bpantalla%2B2012-02-14%2Ba%2Blas%2B12.37.57.png" imageanchor="1" style="margin-left:1em; margin-right:1em"><img border="0" height="68" width="400" src="http://2.bp.blogspot.com/-13NhzHG-Uyk/TzpHsqW_snI/AAAAAAAAAJY/Z9p8ZWnQE_Y/s400/Captura%2Bde%2Bpantalla%2B2012-02-14%2Ba%2Blas%2B12.37.57.png" /></a></div><br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-13160773441891653282012-02-05T15:42:00.000+01:002012-02-05T15:42:12.604+01:00Geometria de la llum - Norbert Bilbeny"Geometria de la llum" mostra un recull de diverses obres pictòriques de Norbert Bilbeny, actual degà de la Facultat de Filosofia de la Universitat de Barcelona. Autor d'una extensa obra escrita al voltant de les qüestions ètiques més urgents del nostre temps (com per exemple "El idiota moral. La banalidad del mal en el siglo XX", que està sent un referent destacat en el projecte en que treballo actualment). En aquest treball plàstic, diferents figures d'inspiració geomètrica, apareixen sobre fons on el color es juga de forma expressionista, generant una tensió similar a la que es produeix entre la raó i l'emoció, tema fonamental de l'ètica.<br />
<br />
L'exposició es pot veure a la sala del VINSEUM (Vilafranca del Penedès), fins el 12 de febrer.<br />
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<iframe width="640" height="360" src="http://www.youtube.com/embed/z-x_oOnpURg" frameborder="0" allowfullscreen></iframe>Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-590034660549933822012-01-27T12:23:00.000+01:002012-02-01T23:05:36.680+01:00Buchettino"Buchettino" és un espectacle creat per la companyia Socìetas Raffaello Sanzio i que en la seva versió catalana ha estat produït pel Teatre Lliure, amb una increïble feina en la narració de l'Alba Sola.<br />
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La idea de l'espectacle és que els nens recuperin l'experiència d'escoltar contes abans d'anar a dormir. Per aquest motiu entren en un espai ben rústic, es fiquen en un llit i escolten a la increïble narradora Alba Sola, que els explica un conte on les pors infantils i la seva superació s'hi barrejen. Uns efectes sonors molt treballats, acaben de contribuir a que la història de Buchettino prengui vida en la ment dels nens.. o la dels adults, que també hi poden anar (i ficar-se en els llits).<br />
<br />
<iframe src="http://player.vimeo.com/video/35364016?title=0&byline=0&portrait=0" width="640" height="360" frameborder="0" webkitAllowFullScreen mozallowfullscreen allowFullScreen></iframe><p><a href="http://vimeo.com/35364016">BUCHETTINO Socìetas Raffaello Sanzio + Teatre Lliure</a> from <a href="http://vimeo.com/user7379680">Imaginart</a> on <a href="http://vimeo.com">Vimeo</a>.</p>Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5150459408347145166.post-69098821281060906382012-01-18T10:08:00.000+01:002016-01-29T10:37:23.647+01:00Un poco de JazzEstos son unos vídeos que grabé hace algunos meses en el club Bel-Luna de Barcelona. Los chicos son el August Tharrats Trio y ella es Johanna Jarl. Tras una breve pausa, pronto volverán a estar tocando juntos por Barcelona. Mientras tanto, disfrutemos de los videos.<br />
<br />
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<iframe width="560" height="315" src="http://www.youtube.com/embed/JAEVthxp_Xo" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br />
<br />
<iframe width="560" height="315" src="http://www.youtube.com/embed/3ZxyuIzTdqY" frameborder="0" allowfullscreen></iframe>Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07652991973330831370noreply@blogger.com0Barcelona41.387917 2.169918741.292614 2.0119902 41.48322 2.3278472000000003